Hard Powder (2019)

(c) StudioCanal Deutschland

Inhalt:

In Kehoe, einem verschneiten Skigebiet der Rocky Mountains, zeigt das Thermometer Minus 10 Grad an. Für den Schneepflugfahrer Nels Coxman (Liam Neeson) sind das perfekte Bedingungen. Er führt mit seiner Familie ein bescheidenes Leben, was sich allerdings schlagartig ändert, als sich sein Sohn mit dem Drogenboss Viking (Tom Bateman) einlässt und kurz darauf auf dessen Anordnung ermordet wird. Nels will Rache und sieht keinen anderen Weg, als sich selbst mit dem Drogenkartell anzulegen. Schnell wird allen Beteiligten klar: Das Kartell hat Nels ganz gewaltig unterschätzt, denn der dezimiert die Gangsterbande nach und nach.Und während Viking seinen ehemaligen Rivalen White Bull (Tom Jackson) für das Ableben von Nels' Sohn verantwortlich macht, entsteht ein eiskalter Bandenkrieg, der die schneeweißen Hänge der Berge sind schon bald blutrot färbt.


Bewertung:

Für ihr US-Remake von „Einer nach dem anderen“ haben sich die Produzenten der Einfachheit halber gleich an Original-Regisseur Hans Petter Moland gewendet. Das spricht nicht unbedingt für einen erfrischend-neuartigen Ansatz. Aber dafür ist der skurrile und nicht einfache Stoff eben auch in sicheren Händen, schließlich kann man hier mit dem Erzählton auch schnell mal neben der Spur landen, wenn man kein Gespür für diese schrägen Typen abseits des monolithisch-bodenständigen Schneepflugpflügers Nels Coxman hat. Ein Selbstplagiat ist „Hard Powder“ deshalb aber nicht unbedingt. Moland behält zwar die Grundpfeiler des Plots und oft auch inszenatorische Details wie die Einblendungen von Friedhofskreuzen nach jedem weiteren Toten bei, verlegt die Handlung aber in die Rocky Mountains und liefert dort nun sogar noch imposantere Panoramen von tiefverschneiten Schneelandschaften als im norwegischen Original – absolut beeindruckende Bilder. Auch was die erzeugte Atmosphäre angeht, passt Moland seinen Film durchaus der Verpflanzung der Story von Norwegen nach Colorado an.

Die Besetzung von Liam Neeson („96 Hours - Taken“, „Run All Night“), einem der rüstigsten Action-Senioren Hollywoods, ist so logisch wie stimmig: In seiner spätgefundenen Paraderolle des wortkargen Aufräumers kann Neeson seinem ähnlich störrischen Vorgänger Stellan Skarsgard durchaus Paroli bieten, wenn er als väterlicher Racheengel kaum eine Miene verzieht und bei seinen brutalen Feldzügen gegen das Böse die Sympathien – allein schon mangels Alternativen in dieser abgrundtief verabscheuungswürdigen Welt – sicher auf seiner Seite weiß. Dabei fällt die Einführung der Figuren sehr knapp aus, weshalb der Sprung vom besorgten Familienvater zum Rache-Berserker, der seine Opfer brutal ermordet und anschließend mitleidlos entsorgt, wie schon im Original sehr knapp und plötzlich anmutet. Aber „Hard Powder“ lebt sowieso nicht von der Tiefe seiner Charaktere, sondern von deren oft köstlich-abgründigen Absonderlichkeiten.

Etwas Ähnliches gilt auch für die Methoden, mit denen Nels Coxman seine Widersacher ins Jenseits befördert. Jedenfalls haben wir noch niemanden gesehen, der sich in eine Rodemaschine schwingt, einen kompletten Baum in Sekunden zu einem Megarammbock anspitzt und aus mehreren Metern Höhe auf einen im Auto festsitzenden Gangster niederkrachen lässt – ein waschechter Wow-Effekt. Kein Wunder also, dass es die Szene sogar bis aufs Filmplakat von „Hard Powder“ geschafft hat. Regisseur Moland pfeift auf Bodenständigkeit, sondern strebt nach Schauwerten, Skurrilität und natürlich möglichst viel schwarzen Humor, der all die Abscheulichkeiten deutlich leichter verträglich macht.

Und den stoischen Grübler, der auch hart austeilen kann, spielt Neeson mittlerweile im Schlaf. Aber langweilig wird es trotzdem nie. Sein Gegenspieler Tom Bateman („Mord im Orient-Express“) gibt als super-cholerischer Drogenboss Viking Vollgas, während das Talent von Laura Dern („Jurassic Park“, „Big Little Lies“) als kiffend-depressive Mutter in dieser limitierten Rolle weitergehend verschenkt wird. Als wahrer Szenendieb spielt sich hingegen William Forsythe („The Rock“) als Nels‘ extravaganter Bruder ins Gedächtnis. Der Ex-Gangster trug einst den Codenamen „Wingman“  und versucht nun, Nels aus der Patsche zu helfen – was in einer sehr amüsanten „True Romance“-Reminiszenz endet. In diesen Szenen ist „Hard Powder“ ähnlich skurril-komisch wie das Original.

Ansonsten bleibt das Action-Drama konsequent immer eine kleine Spur hinter „Einer nach dem anderen“ zurück. „Hard Powder“ ist schon brutal, wenn ein Gangster nach dem anderen um die Ecke gebracht wird, aber auch nicht so explizit, dass es ein potenzielles Mainstreampublikum allzu sehr vergrätzen könnte. Dieses Muster zieht sich durch den ganzen Film. Etwas weniger Absurdität, etwas weniger Groteske, etwas weniger Wahnsinn – insgesamt etwas weniger Groove, aber immer noch ziemlich unterhaltsam.

Fazit: 
Durchaus ruppig und rau, aber insgesamt weniger radikal – Hans Petter Moland legt seine Gangster-Thriller-Groteske „Einer nach dem anderen“ als mit wunderschönen Schneepanoramen und abgründigen Sonderlingen gespicktes US-Remake selbst neu auf. 


Text by (mk) 

Oceans 8

Facts:
Genre: Krimi, Komödie
Regie: Gary Ross
Cast: Sandra Bullock, Cate Blanchett, Anne Hathaway
Laufzeit: 110 Minuten
FSK: ab 0 Jahre
Verleih: Warner Bros GmbH

(c) Warner Bros GmbH

Inhalt:
Was ihr Bruder kann, kann sie schon lange: Debbie Ocean (Sandra Bullock), die Schwester von Gauner Danny Ocean (George Clooney), ist aus dem Knast entlassen worden und stellt ein Team von Meisterdiebinnen zusammen, um den hieb- und stichfesten Coup umzusetzen, den sie während ihrer Zeit im Gefängnis geplant hat: Gemeinsam mit ihrer Komplizin Lou Miller (Cate Blanchett) versammelt sie die Juwelierin Amita (Mindy Kaling), die Trickbetrügerin Constance (Awkwafina), die Hehler-Expertin Tammy (Sarah Paulson), die Hackerin Nine Ball (Rihanna) und die Modedesignerin Rose (Helena Bonham Carter), um der weltberühmten Schauspielerin Daphne Kluger (Anne Hathaway) bei der Met Gala eine wertvolle Halskette im Wert von 150 Millionen Dollar zu stehlen – und sich dabei an einem fiesen Galeriebesitzer zu rächen...


Bewertung:
Sowohl das 1960er-Original „Frankie und seine Spießgesellen“ als auch die Remake-Trilogie von Soderbergh sind bis obenhin vollgestopft mit selbstreferenziellen Dialogen. Das liegt vor allem daran, dass die Schauspieler hier wie dort extrem viel improvisieren durften. So weiß man an vielen Stellen gar nicht sicher, ob da gerade wirklich die Filmfiguren oder nicht vielleicht doch eher die Stars selbst miteinander quatschen. Gerade das Finale von „Ocean’s Thirteen“ wirkt viel eher so, als ob sich da am Flughafen gerade George Clooney und Brad Pitt und eben nicht Danny Ocean und Rusty Ryan voneinander verabschieden.

In „Ocean’s 8“ gibt es von diesen doppeldeutigen Dialogen auch wieder jede Menge – aber statt einfach nur auf den Starstatus der Schauspielerinnen verweisen sie vielmehr auf die aktuellen Entwicklungen in Hollywood zurück: Wenn Debbie Ocean an einer Stelle sagt, dass sie den Heist auch deshalb durchziehe, weil da draußen bestimmt gerade ein achtjähriges Mädchen davon träumt, später mal eine Kriminelle zu werden, ist das natürlich nicht allzu schwer als Meta-Kommentar zur Debatte um „Wonder Woman“ & Co. zu durchschauen. Aber darüber hinaus ist „Ocean’s 8“ auch noch mit weit subtileren Seitenhieben auf die Machismo-Attitüde der Vorgängerfilme vollgestopft (und es ist ja auch nicht so, dass die das nicht verdient hätten, Julia Roberts und Catherine Zeta-Jones sind schließlich deshalb bei „Ocean’s Thirteen“ ausgestiegen, weil es den Autoren „nicht möglich war“, substantielle Rollen für sie zu schreiben).

Leider sind diese bissigen Anspielungen aber gerade in der ersten Stunde neben der schauspielerischen Gravitas von Sandra Bullock und Cate Blanchett so ziemlich das einzige, was den nötigen Biss und Schwung in den Film bringt. Ansonsten gestaltet sich die Team-Zusammenstellung samt anschließender Heist-Vorbereitung nämlich erstaunlich träge. Natürlich verlangt niemand von Gary Ross, dass er den Stil von Steven Soderbergh eins zu eins kopieren soll – aber „Ocean’s 8“ bleibt nun mal ein Heistfilm und da gehört der eine oder andere inszenatorische Schnörkel eben einfach dazu.

Zumindest ein wenig zieht das Tempo dann mit dem Beginn des Raubzugs an, der sich - wie gesagt - diesmal sogar als vergleichsweise nachvollziehbar erweist (und während dem Sandra Bullock die ganze Zeit Deutsch spricht, weshalb man sich den Film nach Möglichkeit im englischen Original angucken sollte). So richtig Laune macht „Ocean’s 8“ dann allerdings ironischerweise erst ab dem Moment, wo a) der Heist vorbei ist und b) mit James Corden („Into The Woods“) als Versicherungsdetektiv der einzige männliche Hauptdarsteller auf dem Plan erscheint. Der MVP der starken letzten halben Stunde ist Corden aber trotzdem nicht, dieser Preis geht an Anne Hathaway (Oscar für „Les Misérables“), die auf der Zielgeraden noch mal richtig Gas gibt und sowieso von allen Beteiligten den meisten Spaß an ihrer herrlich selbstironischen Rolle zu haben scheint.

Fazit: 
Die Schauspielerinnen (und James Corden) sind top, der Heist wird tatsächlich einigermaßen glaubhaft eingefädelt, aber die Inszenierung ist mit Ausnahme der letzten halben Stunde einfach ein ganzes Stück zu lahm. Daher vergeben wir hier diebstahlsichere 6 von 10 Punkte. (mk)

Mord im Orient-Express

Facts:

Genre: Thriller, Krimi
Regie: Kenneth Branagh
Cast: Kenneth Branagh, Johnny Depp, Michelle Pfeiffer

Laufzeit: 109 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
Verleih: Fox Deutschland

 

(c) Fox Deutschland

 

Inhalt:

Für die Rückreise von einem seiner Fälle nimmt Hercule Poirot (Kenneth Branagh) den legendären Orient-Express. An eine gemütliche Zugfahrt ist aber nicht lange zu denken, stattdessen hat der berühmte Meisterdetektiv bald wieder Arbeit: Ein Passagier wird ermordet und damit ist klar, dass einer der übrigen Reisenden der Täter sein muss. Die spanische Missionarin Pilar Estravados (Penélope Cruz), die Gouvernante Mary Debenham (Daisy Ridley), Professor Gerhard Hardman (Willem Dafoe), die Witwe Mrs. Hubbard (Michelle Pfeiffer) und der Doktor Arbuthnot (Leslie Odom Jr.) sind alle verdächtig. Doch bald wird Poirot klar, dass er den Fall nicht lösen wird, wenn er mehr über die möglichen Täter erfährt. Er muss mehr über das Opfer herausfinden – und sich beeilen, damit der Killer nicht nochmal zuschlägt… 

Bewertung:

Nur mit Albert Finneys Schnurrbart war Krimilegende Agatha Christie nicht zufrieden, als sie Sidney Lumets 1974er Adaption ihres berühmtesten Buches „Mord im Orient-Express“ sah: Hercule Poirot müsse den prächtigsten moustache in ganz England haben und nicht so ein bescheidenes Bärtchen wie in dem sechsfach oscarnominierten Klassiker. Sonst hatte aber auch die Autorin nichts auszusetzen an Finneys Leinwandporträt ihrer neben Miss Marple bekanntesten Figur und wenn nun Kenneth Branagh in der Rolle des belgischen Meisterdetektivs stolz ein wahres Prachtstück von einem Schnurrbart in die Kamera reckt, dann ist das so etwas wie eine augenzwinkernde Rechtfertigung der Neuverfilmung des Romans, dessen clevere Auflösung die meisten Krimifans sowieso schon kennen. Aber Branagh, der „Mord im Orient-Express“ auch inszeniert hat, hat noch anderes zu bieten: Neben einem klassisch anmutenden Luxus-Look (der in einigen ausgewählten Kinos auch im 65-mm-Format zu bewundern ist) und einem erstaunlichen Staraufgebot von Johnny Depp bis Daisy Ridley besticht das Kriminaldrama vor allem durch seine pointierte Poirot-Interpretation. Der Shakespeare-Mime Branagh setzt den bekannten Kino-Darstellungen von Finney und Peter Ustinov („Tod auf dem Nil“) sowie dem gefeierten TV-Poirot David Suchet eine eigene Sicht auf den Detektiv entgegen, die für die ansonsten recht rudimentäre Figurenzeichnung und den nicht ganz überzeugend umgesetzten Kriminalfall zumindest zum Teil entschädigt.  

Regisseur Kenneth Branagh und Drehbuchautor Michael Green („Blade Runner 2049“) beginnen ihren Film mit einer neu erfundenen Episode in Jerusalem, die es ihnen erlaubt, die Hauptfigur und einige ihrer wesentlichen Charakterzüge in konzentrierter Form vorzustellen. Ihr Hercule Poirot ist ein kauziger Pedant, aber hinter seiner Suche nach zwei exakt gleich großen Vier-Minuten-Frühstückseiern lässt sich bald schon ein tiefsitzendes Bedürfnis nach Halt und Ordnung erahnen, das weit über solche Äußerlichkeiten hinausgeht. Das flamboyante Genie ist Branagh wie auf den Leib geschneidert und wenn Poirot verkündet, er sei der „wahrscheinlich größte Detektiv der Welt“ dann ist das in seiner Darstellung eine simple Feststellung voller eitler Selbstgewissheit, wie er sie auch schon in „Mary Shelley's Frankenstein“ oder in „Harry Potter und die Kammer des Schreckens“ an den Tag gelegt hat. An anderer Stelle dagegen zeigt das bereits in fünf verschiedenen Kategorien für den Oscar nominierte Multitalent uns Poirot als tiefmoralischen Grübler und wenn der Belgier das Foto seiner verflossenen Liebe betrachtend über Gut und Böse sinniert, dann hat das durchaus etwas von „Hamlet“ oder „Henry V.“.

Wie der auf Schwarzweißdenkmustern beharrende Protagonist sich zunehmend in den Grauzonen der menschlichen Natur verirrt, das ist das Spannendste an „Mord im Orient-Express“. Der vertrackte Mordfall mit seinen widersprüchlichen Indizien und den undurchsichtigen Verdächtigen ist in dieser Version allerdings nicht allzu aufregend. Das gilt selbst dann, wenn man die Vorlage nicht kennt, an die sich die Macher nach dem Prolog recht eng halten. Allerdings werden die erzählerischen Fäden teilweise nur recht notdürftig verknüpft, auch wenn der reinen Logik weitgehend Genüge getan wird. Und Branaghs Film ist eben auch stärker als psychologisches Drama angelegt und nicht bloß als kriminalistisches Rätselraten und in diesem Drama bleiben die seelischen Nöte der verdächtigen Passagiere zu großen Teilen unbehandelt. Am ehesten dürfen noch Michelle Pfeiffer als anstrengende Witwe und Josh Gad als überforderter junger Sekretär in jene Untiefen vorstoßen, die aus bloßen Figuren echte Menschen werden lassen. Dazu kommen ein beeindruckender Auftritt von Willem Dafoe mit deutschem Akzent, eine überzeugend eigenwillige Darbietung von Johnny Depp  und eine gelungene Aktualisierung des Stoffes durch die Besetzung des Arbuthnot (aus dem Major wird ein Arzt) mit dem schwarzen Schauspieler und Sänger Leslie Odom Jr. aus dem Broadway-Hit „Hamilton“.

Was die übrigen Darsteller angeht, so rücken sie gegenüber dem Zug (die Gelegenheit zu einigen imposanten Fahrtaufnahmen lässt sich Branagh nicht nehmen), dessen luxuriöser Einrichtung und den tollen historischen Kostümen von Alexandra Byrne ins zweite Glied. Die Schauwerte sind wie schon in Branaghs vorigem Film „Cinderella“ beachtlich und erinnern trotz der digitalen Bilder an das große klassische Hollywood-Kino, dazu kommen einige clevere visuelle Ideen wie die von oben gefilmte Entdeckung des Mordopfers. Eine kleine ins Drehbuch geschmuggelte Actionszene fügt der Story indessen nichts hinzu, hat aber immerhin Komponist Patrick Doyle („Merida“) zu einem der bewegtesten Stücke seiner ebenso klassischen wie abwechslungsreichen Filmmusik inspiriert. Dass Branagh die finalen mit Flashbacks gespickten Enthüllungen vom Speisewagen in einen Tunnel verlegt und dabei da Vincis „Abendmahl“ nachstellt, ist wiederum eine durchaus faszinierende Idee, aus der aber letztlich nur wenig gemacht wird. So ist dieser neue „Mord im Orient-Express“ eine zwar ziemlich kurzweilige, aber auch durchwachsene Angelegenheit.

Fazit: 

Kenneth Branaghs Neuverfilmung von Agathe Christies berühmtem Krimi überzeugt in der Darstellung des Hercule Poirot, hat aber auch deutliche erzählerische Schwächen. Dafür vergebe ich nur 6 von 10 Punkte. (mk)

Logan Lucky OV

Facts:

Genre: Komödie, Krimi, Drama

Regie:  Steven Soderbergh

Cast:  Daniel Craig, Channing Tatum, Adam Driver

Laufzeit:  118 Minuten

FSK: ab 12 Jahre

Verleih:  StudioCanal Deutschland

 

(c) StudioCanal Deutschland

Inhalt:

Die Brüder Jimmy (Channing Tatum) und Clyde Logan (Adam Driver) haben es wirklich nicht leicht: Der impulsive Jimmy neigt zu Gefühlsausbrüchen und verliert dadurch einen Job nach dem anderen, Clyde hingegen hat zwar einen festen Job als Barkeeper, wird aber von den Gästen schikaniert, weil er einen Arm verlor und er eine Prothese trägt. Ihre zunehmenden Geldsorgen wollen die Brüder beenden, indem sie beim bekanntesten NASCAR-Rennen der Welt, dem Coca-Cola 600, einen genialen Raubüberfall durchführen. Ihre Schwester Mellie (Riley Keough) soll helfen, weitere Unterstützung für seinen Coup erhofft sich das vom Pech verfolgte Duo vom legendären Bankräuber Joe Bang (Daniel Craig) – der allerdings erst befreit werden muss, weil er momentan hinter Gittern sitzt. Und auch nachdem das vollbracht ist, geht der Plan natürlich nicht so reibungslos über die Bühne, wie Jimmy und Clyde sich das vorgestellt haben…

Bewertung:

 „Logan Lucky“ steckt voller Herzblut, Aufrichtigkeit und Eigenwilligkeit. Soderbergh versprüht ganz einfach einen besonderen Spirit, der den Film von so mancher klinischen Hollywood-Produktion abhebt. Das beginnt schon mit einer amüsanten Scharade: Das Drehbuch stammt offiziell von einer gewissen Rebecca Blunt, in Wahrheit schrieb es aber (wie The Playlist enthüllte) Soderberghs Frau Jules Asner. Der Regisseur ist bekannt für solche neckischen Spielchen und servierte im Presseheft sogar noch eine rührselige Geschichte zur imaginären Rebecca Blunt. Auch in der Vergangenheit gab Soderbergh seine eigenen Credits für Kamera und Schnitt schon an Fantasiepersonen wie Peter Andrews oder Mary Ann Bernard – und im Abspann von „Logan Lucky“ heißt es augenzwinkernd „… and introducing Daniel Craig“ (ein Credit, der eigentlich Schauspielern in ihrer ersten Kinorolle vorbehalten ist).

Im Zentrum von „Logan Lucky“ stehen einfache Menschen aus einem der ärmsten US-Bundesstaaten. Obwohl das Publikum meist mit und seltener auch über sie lacht, liegen diese Figuren aus Fleisch und Blut Soderbergh unbedingt am Herzen. Trotz Slapstick-Einlagen und knochentrockenen Dialog-Passagen wird nicht einer der Charaktere als Knallcharge abgekanzelt, stattdessen ist eine tiefgehende Sympathie für die Menschen des Blue-Collar-Arbeitermilieus von West Virginia in jeder Sekunde spürbar. Dass Soderbergh für „Logan Lucky“ frei von äußeren Einflüssen und Interessen inszenieren kann, ist dem Film auch sonst anzumerken. Er wirft Gag auf Gag in die Runde, pausiert dann mal eine Weile mit Lachern, bevor es wieder mit Vollgas lustig weitergeht – solche kleinen erzählerischen Unwuchten tragen hier letztendlich mehr zum Charme des Films bei als dass sie ihm schaden würden. So entwickelt „Logan Lucky“ einen regelrecht unwiderstehlichen Rhythmus, denn die Operation NASCAR-Raubzug läuft nach einer ausführlichen Einführung der Figuren ganz geschmeidig auf den Höhepunkt des Coups zu.

Soderbergh legt bei „Logan Lucky“ einen extrem hohen Wert auf spezifische Details. An einer Stelle erzählt Mellie ganz ausführlich, warum sie wo welche Autobahnabschnitte gewählt hat, um Jimmys Tochter vom Training abzuholen. Das sagt einem Zuschauer, der nicht selbst in der Gegend wohnt, erst einmal gar nichts – aber es verankert „Logan Lucky“ ganz fest an seinem Schauplatz, denn an einem anderen Ort könnte dieser Film schlicht nicht spielen. Aber selbst wenn solches Lokalkolorit sehr wichtig für die Stimmung des Films ist, hat Soderbergh kein Problem damit, seine waghalsige, etwas überkandidelte Coup-Idee schließlich zu einer regelrechten Mastermind-Räuberfantasie auswachsen zu lassen. Ganze Passagen werden herrlich launig überhöht - wie zum Beispiel eine extrem schräge, gewaltlos-effektive Gefängnisrevolte, die Jimmy und Clyde als Ablenkungsmanöver inszenieren. Wenn dort die hartgesottenen Knastbrüder von ihrem Gefängnisdirektor Burns (Dwight Yoakam) die Anschaffung der „Game Of Thrones“-Bände sechs und sieben für die Bibliothek fordern (also jener Bücher, mit denen Autor George R. Martin schon seit Jahren schwer im Verzug ist), ist das einer der komödiantischen Brüller des Films.

Ebenso wichtig wie der trockene Humor ist das Zusammenspiel der spielfreudigen Stars, die Soderbergh für sein Comeback im Dutzend vor der Kamera versammeln konnte und die sich ständig gegenseitig mit ihren Dialekten zu übertreffen versuchen: An der Spitze erledigt Soderbergh-Spezi Channing Tatum seine Arbeit als Leading Man gewissenhaft, man nimmt ihm den einfachen, im Herzen ehrlichen Malocher ab. Die Rolle ist ihm quasi auf den Leib geschrieben - körperlich hat Tatum nämlich etwas zugelegt, was ihn massig und nicht zu durchtrainiert wirken lässt. Adam Driver  bekommt weniger Raum, nutzt aber seinen Anteil als dezent spleeniger einarmiger Barkeeper für trockenen Humor, bei dem immer auch eine feine Note von Ernsthaftigkeit mitschwingt, seine Performance ist jedenfalls die nuancierteste von allen.

Die größten Lacher kassiert jedoch Bond-Darsteller Daniel Craig, der als blondierter Tresorsprengspezialist Joe Bang wirklich ein echter Knaller ist. Zumeist im absurden Streifensträflingskostüm haut er die trockenen Oneliner am Fließband raus – mit dem absoluten Highlight eines eher ungewöhnlichen Bombenbaurezepts für die Tresorsprengung. Eine Attraktion ist auch die Schar der namhaften Nebendarsteller wie Seth MacFarlane als arroganter NASCAR-Teamboss, Hilary Swank als hartgesottene FBI-Agentin, Katherine Waterston als nette Mobil-Ärztin, Katie Holmes als Jimmys vermögende Ex-Frau-Zicke oder Dwight Yoakam als eigenwilliger Gefängnischef, die zwar nur für kleine Episoden vorbeischauen, aber alle tatsächlich etwas Substanzielles beizutragen haben.

Fazit: 

Schön, dass du wieder da bist, Steven Soderbergh! Mit seinem sympathisch-unterhaltsamen Gaunerfilm „Logan Lucky“ liefert der „Ocean’s Eleven“-Regisseur die Arbeiterklassen-Antwort auf seine erfolgreiche Gentleman-Gauner-Trilogie – und ganz ehrlich hätten wir absolut nichts dagegen, wenn es auch mit „Logan Lucky“ noch weitergehen würde.Dafür vergeben wir gutunterhaltende und actiongeladene 8 von 10 Punkte. (mk)