IRRESISTIBLE - UNWIDERSTEHLICH

IRRESISTIBLE - UNWIDERSTEHLICH

Genre: Drama, Komödie
Regie: Jon Stewart
Cast: Steve Carell, Rose Byrne, Chris Cooper
Laufzeit: 103 Minuten
FSK: ab 6 Jahre
Verleih: Universal Pictures International

 

(c) Universal Pictures International

 

Inhalt:

Als der Top-Stratege des demokratischen Nationalkomitees, Gary Zimmer (Steve Carell), ein Video sieht, in dem der pensionierte Marine-Oberst Jack Hastings (Chris Cooper) für die Rechte der undokumentierten Arbeiter seiner Stadt eintritt, glaubt er, den Schlüssel gefunden zu haben, um die Wähler im Herzen Amerikas zurückzugewinnen. Bei einem außerplanmäßigen Besuch auf Hastings' Milchviehbetrieb im ländlichen Deerlaken, Wisconsin, überzeugt Gary den unpolitischen Marine im Ruhestand davon, für das Amt des Bürgermeisters zu kandidieren. Zunächst verlässt sich Gary auf Jacks sehr fähige Tochter Diana (Mackenzie Davis) und ein Team von enthusiastischen, wenn auch unerfahrenen Freiwilligen. Als das republikanische Nationalkomitee ihm jedoch entgegentritt, indem es seine brillante Nemesis Faith Brewster (Rose Byrne) schickt, ist Gary mehr als bereit, sein Spiel zu verbessern. Während Gary und Faith sich die Waage halten, eskaliert das, was als lokales Rennen begann, schnell zu einem nationalen politischen Kampf um die Seele Amerikas.


Bewertung:

Aus dem Stoff hätte man – gerade in Anbetracht des aktuellen Zustands des politischen Diskurses in den USA – leicht eine ätzende Satire machen können. Aber Jon Stewart hält sich mit Tiefschlägen zurück und liefert stattdessen eine gefällige Komödie in der Großstädter-auf-dem-Land-Tradition von „Doc Hollywood“, in dem es einst Michael J. Fox als Arzt-Hot-Shot in ein verschlafenes Kleinstadt-Krankenhaus verschlug. In „Irresistible“ wird der Superzyniker Garry nun derartig freundlich empfangen, dass er kaum noch Worte (außer einem ständigen „fuck“) dafür findet.

Angereichert wird die Fisch-aus-dem-Wasser-Komödie mit treffsicheren Beobachtungen, die vor allem die Mechanismen des Politbetriebs und die kollaborierende Rolle der Medien entlarven. So stellen etwa die Moderatoren einer rechtslehnenden „News“-Show die Frage: Schwächt die Kandidatur eines Veteranen als Demokrat die Moral der Truppe? Die Antwort eines der elitären Hosts beginnt mit den entlarvenden Worten: „Wenn ich gedient hätte, dann...“ Zugleich kriegt die demokratische Elite in New York genauso ihr Fett weg, wenn Jack in einem Penthouse in Manhattan den reichen Gastgebern wie ein exotisches Zirkustier vorgeführt wird, um möglichst viele Spenden für den Wahlkampf abzusahnen.

Besonders schön sind auch einige der Gags, mit denen die hochtechnologisierten Wahlkampfmethoden durch den Kakao gezogen werden – so beginnt das Duell zwischen Garry und seiner ständigen republikanischen Rivalin Faith Brewster (Rose Byrne) erst einmal mit dem Kampf um das beste WiFi. Und nachdem Datenexpertin Tina (Natasha Lyonne) per Online-Analyse herausfindet, dass ein Wohnblock mit überwiegend Single-Frauen mittleren Alters bevölkert ist, werden sofort die Pamphlete mit dem politischen Vorschlag für „Kostenlose Empfängnisverhütung“ verschickt – nur um dann festzustellen, dass es sich bei dem „Wohnblock“ in Wahrheit um ein Nonnenkloster handelt.

Es gibt aber auch Momente, in denen man Jon Stewart eine Doppelmoral vorwerfen könnte – zum Beispiel inszeniert er den ersten Blick zwischen Garry und Jacks halb so alter Tochter Diana (Mackenzie Davis) genau so, wie man es von solchen Komödien gewohnt ist. Dem Zuschauer ist sofort klar: Die beiden werden am Ende bestimmt zusammenkommen. Also ist selbst ein Jon Stewart nicht vor dem Alter-weißer-Mann-sahnt-natürlich-die-junge-schöne-Frau-ab-Klischee gefeit? Pustekuchen! „Irresistible“ überrascht noch auf der Zielgeraden mit einem monumentalen Twist, der all diese Dinge aufgreift und auf den Kopf stellt. Aber dass Jon Stewart ein cleveres Kerlchen ist, wird wohl niemand ernsthaft bestreiten, der jemals einige Folgen seiner „Today Show“ gesehen hat.

Fazit:

„Irresistible - Unwiderstehlich“ ist eine gutgelaunte, fast schon fröhliche Politsatire – und das ist in der heutigen Zeit ja vielleicht die größte Provokation. Selbst der große Twist ist verdammt sympathisch. Gelaut vergeben wir 8 von 10 Punkte für eine erneute Stece Carell Glanzleistung. (mk)

DIE KÄNGURU-CHRONIKEN

DIE KÄNGURU-CHRONIKEN

Facts:

Genre: Komödie

Regie: Dani Levy

Cast: Dimitrij Schaad, Rosalie Thomass, Adnan Maral

Laufzeit: 92 Minuten

FSK: ab 0 Jahre

Verleih: X-Verleih

(c) X-Verleih

Inhalt:
Der unterambitionierte Berliner Kleinkünstler Marc-Uwe (Dimitrj Schaad) und das vorlaute Känguru (gesprochen von Marc-Uwe Kling) nehmen es mit dem rechtspopulistischen Immobilienhai Dwigs (Henry Hübchen) auf, der den malerischen Nachbarschaftskiez verschandeln will. Doch davor müssen die beiden sich erst mal kennenlernen. Und das geschieht, als das sprechende Beuteltier bei Marc-Uwe an der Tür klingelt und wenig später ungefragt sein Mitbewohner wird. Fortan häufen sich die abstrusen Erlebnisse des ungleichen Teams. Denn wo das antikapitalistische Känguru ist, da ist auch das Chaos nicht weit. Das Tier unterwandert jede gesellschaftliche Regel mit Links. Die eigene Faulheit zum Beispiel stellt es wortgewandt als Akt der Rebellion gegen den Kapitalismus hin. WG-Regeln sind in den Augen des Kängurus nur eine mildere Form der Unterdrückung.


Bewertung:

Erst auf der Bühne, dann als Podcast, schließlich als Buchreihe (nicht nur gedruckt, sondern vor allem auch in Audioform): Mit seinen „Känguru“-Geschichten schuf Marc-Uwe Kling eine Erfolgsmarke – da ist der Schritt auf die Leinwand als nächste Stufe nur logisch. Also kommt nun „Die Känguru-Chroniken“ von Regisseur Dani Levy („Alles auf Zucker!“) ins Kino. Dass Kling dabei als Drehbuchautor selbst intensiv mitgewirkt hat, merkt man der Komödie immer wieder an. Doch die rund um seine launigen und pointierten Känguru-Erzählungen gestrickte Geschichte kann mit der Brillanz der Vorlagen ebenso wenig mithalten wie der eher platte Zitate-Zug einmal quer durch die Filmgeschichte.

Bevor es mit dem Film so richtig losgeht, müssen Marc-Uwe Kling (spricht sich als Erzähler selbst) und das Känguru (spielt sich selbst, klingt wie von Marc-Uwe Kling gesprochen) erst einmal im Off klären, wie sie ihre gemeinsame Geschichte eigentlich erzählen wollen – und vor allem von welchem Zeitpunkt an. Nach einigen Diskussionen beginnt dann alles damit, dass das Känguru vor der Tür des meist im Schlafanzug in den Tag hineinlebenden Marc-Uwe (gespielt von Dimitrij Schaad) steht – und ehe der es sich versieht, hat der Künstler in seiner Kreuzberger Wohnung einen neuen Beuteltier-Mitbewohner. Da das Känguru nicht nur überzeugter Kommunist ist, sondern auch sonst allerlei merkwürdige Spleens hat, gestaltet sich das Zusammenleben nicht immer einfach. Doch als man sich nach einer Weile in der ungewöhnlichen WG endlich irgendwie arrangiert hat, droht auch schon neuer Ärger – und zwar in Form des rechtspopulistischen Immobilienhais Jörg Dwigs (Henry Hübchen), der den ganzen Kiez plattmachen und mitten in den Görlitzer Park seinen eigenen Trump äh… Dwigs Tower setzen will…

Wer es bisher geschafft hat, in den vergangenen Jahren am grassierenden Känguru-Phänomen vorbeizukommen und sich nun trotzdem ins Kino wagt, wird schon nach wenigen Minuten feststellen, ob er etwas mit Klings Humor anfangen kann oder nicht: Wer beim Kennenlernen des Autors und des Kängurus nicht mindestens einmal lachen muss, kann eigentlich gleich wieder gehen. Alle anderen genießen das direkt aus der Buchvorlage übernommene, wunderbar skurrile Zusammentreffen, das damit beginnt, dass das Känguru Eierkuchen machen will, aber keine Eier hat – und eine ganze Reihe weiterer Utensilien fehlen ihm auch noch…

Känguru-Fans werden diese Szene feiern und auch später im Film immer wieder viel Spaß haben – nicht nur bei den vielen Anspielungen auf die Bücher (siehe auch die Abspannszene), sondern allgemein immer dann, wenn Klings Wortwitz aus den Vorlagen präsent ist – ob es die Diskussion um den Singular von Graffiti ist (Graffito natürlich) oder die Frage, wie weit man welche Hunderasse treten kann (für Tierschützer natürlich problematisch, wenn ein Känguru einen Nazi-Hund tritt, kann man da aber vielleicht auch einfach mal drüber hinwegsehen). Die legendären Sprüche, die wie „Ein Idiot in Uniform ist immer noch ein Idiot“ oder „Gesunder Patriotismus klingt für mich wie gutartiger Tumor“ längst viel zitierter Teil der Popkultur sind, bleiben natürlich im Film immer noch so gut wie in den Vorlagen.

Zudem erweist sich Hauptdarsteller Dimitrij Schaad („Tatort: Vielleicht“) gerade in diesen Momenten als perfekte Besetzung des genervt-trägen „Kleinkünstlers“. Da muss man einfach dem Känguru danken, dass es dem echten Marc-Uwe erklärt hat, dass er ein schlechter Schauspieler sei und sich daher nicht selbst spielen könne. Ein weiteres schauspielerisches Highlight ist daneben Rosalie Thomass („Beste Zeit“), die mit ihrer Ausstrahlung einmal mehr zeigt, warum sie in den vergangenen Jahren zu Recht fast alle bekannten deutschen Schauspielpreise abräumen konnte. Und selbst wenn sie teilweise nur kurze Auftritte haben, sind auch die aus den Vorlagen bekannten Kultfiguren wie die türkischstämmigen Späti-Besitzer Friedrich-Wilhelm und Otto von sowie Eckkneipen-Wirtin Herta (Wir sagen nur: „Du glaubst vielleicht, du bist hart, aber ich bin Herta!“) auch dank ihrer Darsteller gut getroffen.

In Klings erstem Buch fehlt noch eine richtige Geschichte, stattdessen gibt es nur lose zusammenhängende Erzählungen. Die für den Film drumherum gestrickte Story um den Kampf gegen einen rechten Immobilienspekulanten passt zum antikapitalistischen Kampf des Beuteltiers und bietet witzige Momente wie den Running Gag um die immer wieder zerstörten Porsche-Luxuskarossen des Antagonisten oder die entwaffnenden „Gespräche“ des Kängurus mit trotteligen Nazi-Schlägern. Doch insgesamt bleibt der Plot spürbar ein bloßes Mittel zum Zweck. Henry Hübchen gibt dem Affen zwar ordentlich Zucker, doch am Ende ist sein AzD-Politiker (Alternative zur Demokratie) dann doch nur platte Trump-Kopie (in einigen Szenen sogar mit blondem Haar und orangener Haut), die sich zudem noch ihren persönlichen Penis-Ersatz (mit Eiern!) mitten in Berlin erbauen will.

Auch der Ritt durch die Kinogeschichte ist nicht gelungen. Zu oft beschränkt sich der Witz der Zitate darauf, „Fight Club“, „Forrest Gump“ und Co. einfach nur zu wiederholen oder zu erwähnen. Und eine Parodie auf die berühmte Uhrenszene von „Pulp Fiction“ wird auch nicht dadurch komisch, dass der goldene Zeitanzeiger Platz für eine Hasenpfote macht, die zwei Mal zwei Jahre im Arsch verschiedener Männer verbracht hat – da kann Gaststar Markus Hering („Whisky mit Wodka“) noch so sehr einen auf Christopher Walken machen. Deutlich amüsanter sind dagegen der Überraschungs-Cameo eines Kult-Komikers als Fitnesstrainer sowie eines in den „Känguru-Chroniken“-Vorlagen immer wieder verehrten Haudrauf-Duos (gelungener Double-Einsatz!) – auch weil diese Szenen nicht nur reine Insider-Gags für Buchkenner bleiben.

Abschließen würden wir die Kritik ja gerne noch mit einem ausführlichen Lob dafür, wie erstklassig (mit Hilfe des Motion-Capture-Verfahrens und des Schauspielers Volker Zack) das Känguru animiert wurde, wie hervorragend es sich in die Hintergründe einfügt und vor allem wie detailreich es gestaltet ist. Das können wir aber nicht. Denn wie uns ausdrücklich versichert wurde, stammt der antikapitalistische Frontkämpfer nicht aus dem Rechner, sondern hat sich gegen eine geheim bleibende Anzahl an Schnapspralinen dazu überreden lassen, sich selbst zu spielen. Also müssen wir das Lob anders formulieren: Das Känguru selbst sieht natürlich spitze aus und ist ohnehin so großartig, dass es die im Skript nicht gerade rar gesäten Flachwitze zumindest merklich aufwertet.

Fazit: 

„Die Känguru-Chroniken“ macht immer dann am meisten Spaß, wenn sich Klings Wortwitz auch im Kino zeigt. Aber das ist viel zu selten der Fall – stattdessen gibt es einen wenig witzigen Filmplot, der dem Känguru letztlich nur den Raum zum Glänzen nimmt. Wir vergeben wortgewante 6,5 von 10 Punkte. (mk)

 

Shaun das Schaf 2: UFO-Alarm

pic (c) StudioCanal Deutschland

Inhalt:

Da tut sich was in Mossingham! Als eines Tages, wie aus dem Nichts, merkwürdige Lichter am Himmel auftauchen, wissen die Bewohner des verschlafenen Städtchens gar nicht, wie ihnen geschieht. Was ist das bloß dort oben? Shaun das Schaf hat dafür allerdings keinen Kopf, stattdessen muss der sich nämlich mit  Bitzer herumschlagen, der all seine tollen Streiche vereitelt. Als Shaun jedoch auf ein außerirdisches Mädchen trifft, das hinter den merkwürdigen Ereignissen am Himmel steckt und mit ihrem Raumschiff nahe der Mossy Bottom Farm bruchlandete, sieht er seine große Chance gekommen: Gemeinsam mit seiner neuen Bekanntschaft aus einer weit entfernten Galaxis tun sich völlig neue Möglichkeiten auf, um den Bewohnern von Mossingham geniale Streiche zu spielen! Gemeinsam erleben die beiden jede Menge Abenteuer, auch wenn gleichzeitig klar ist, dass ihre Zufallsbegegnung nicht von Dauer ist. Oberstes Ziel der gestrandeten Alien-Dame ist es nämlich, wieder nach Hause zu kommen...


Bewertung:

 In den ersten Szenen sieht es ganz so aus, als habe sich auf der Mossy Bottom Farm seit unserem letzten Besuch nicht viel getan. Während der Farmer die meiste Zeit teetrinkend vor dem TV-Gerät hockt, glaubt Schäferhund Bitzer weiterhin, der Chef zu sein und die Schafe von morgens bis abends herumkommandieren zu können. Was Shaun natürlich nicht daran hindert, erneut jede Menge Unfug zu treiben. Die mit viel Liebe zu den Figuren und erstaunlichem Tempo in Szene gesetzten Slapstick-Einlagen, in denen der Titelheld und der Köter zu Beginn immer wieder versuchen, sich gegenseitig auszutricksen, zählen zu den Highlights des Sequels. Der Einstieg erinnert noch mehr an „Tom & Jerry“ als der erste Teil (oder eben an die deutlich kürzeren Segmente der TV-Serie, auf der beide Kinofilme basieren). Dankenswerterweise sind die Kontrahenten hier aber weder so brutal noch so bösartig zueinander wie ihre Vorbilder von William Hanna und Joseph Barbera. Shaun und Bitzer sind nämlich nicht nur dann Verbündete, wenn es um die Abwendung außerhöfischer Gefahren geht. Selbst kleine Zuschauer werden an ihrem Verhalten schnell bemerken, dass sie im Grunde dicke Kumpels sind, die sich im Stall-Alltag allerdings schon mal gewaltig auf den Wecker gehen können.
Im Verlauf der Geschichte bekommen auch die restlichen Herdenmitglieder wie die Zwillinge, der exzentrische Nuts, Lämmchen Timmy oder die noch pummeliger gewordene Shirley immer wieder kleine, individuelle Glanzlichter, mit denen sie das Publikum zum Lachen bringen. Jeder dieser Momente wirkt organisch und nicht einfach nur reingezwängt, um wirklich alle beliebten Figuren irgendwie unterzubringen. Etwas weniger gelungen sind hingegen die zahlreichen Zitate an das Sci-Fi-Kino, so erinnert etwa die Geheimdienst-Truppe nicht von ungefähr an die „Men In Black“. Derlei Persiflagen hat es in den letzten Jahrzehnten aber wirklich schon zur Genüge gegeben. Da hätte man sich gern etwas Originelleres für die Antagonisten in dieser klar an Steven Spielbergs „E.T. - Der Außerirdische“ angelehnten Story einfallen lassen dürfen.

Auch die mal visuellen, mal musikalischen Anspielungen auf Sci-Fi-Klassiker wie Stanley Kubricks „2001: Odyssee im Weltraum“, „Unheimliche Begegnung der dritten Art“ oder die Kult-Serie „Akte X - Die unheimlichen Fälle des FBI“ sind allzu offensichtlich untergebracht. Der etwas geschultere Zuschauer sieht jede von ihnen meilenweit kommen, während die Kids ja ohnehin nicht wissen, wo da gerade die Pointe steckt. So ist das Ergebnis im Höchstfall ein müdes Grinsen. Da machen eine köstlich-alberne Szene mit Shaun und Lu-La, die im Supermarkt reichlich Schabernack treiben, oder die Aktivitäten des Farmers, der auf dummdreiste Art versucht, aus dem schnell um sich greifenden UFO-Fieber so viel Kapital wie möglich zu schlagen, schon sehr viel mehr Spaß. Hier konzentriert sich Aardman auf seine eigentlichen Stärken, nämlich einen clever-trockenen, wunderbar britischen Humor. Sci-Fi-Parodien hingegen können eben auch viele andere (und das zum Teil sogar besser).

Dazu gibt es – speziell in der zweiten Hälfte – einige kleine Durchhänger. Dem Sequel gehen insgesamt die Frische und der kreative Enthusiasmus des Vorgängers ein wenig ab. Das soll aber nicht heißen, dass „Shaun das Schaf 2: UFO-Alarm“ eine glatte Enttäuschung wäre. Wer hier mit seinem Nachwuchs oder auch als erwachsener Animations-Fan ohne Anhang ins Kino geht, macht ganz sicher keinen Fehler. Dafür sorgen neben der brillanten technischen, herrlich detailverliebten und schön atmosphärischen Umsetzung schon der flotte, umwerfend witzige Start und das stimmige, für nah am Wasser gebaute Fans jeden Alters dazu noch schwer ans Herz gehende Finale. Die wunderbare, natürlich wieder wortlos funktionierende Chemie zwischen Shaun und der mit ein paar überraschenden Alien-Superkräften ausgestatteten, liebenswert naiven Lu-La, die sich erstaunlich schnell wie eine echte Freundschaft anfühlt, trägt ebenfalls viel zum hohen Sympathiefaktor des Films bei.

 
Fazit: 
Das zweite Kino-Abenteuer des vorwitzigen Bauernhof-Helden fällt im Vergleich zum grandiosen Vorgänger zwar etwas holpriger aus, trotzdem werden junge wie ältere Shaun-Fans auch diesmal wieder eine Menge Spaß im Kino haben. Gegen einen dritten „Shaun“-Film hätten wir jedenfalls absolut nichts einzuwenden.   (mk)

Gloria - Das Leben wartet nicht

pic (c) by SquareOne Entertainment

Inhalt:

Die Mittfünfzigerin Gloria (Julianne Moore) fühlt sich seit ihrer Scheidung einsam. Ihre Kinder Anne (Caren Pistorius) und Peter (Michael Cera) haben längst ein eigenes Leben - er mit seinem neugeborenen Baby, sie mit ihren Yoga-Kursen und dem heißen neuen Surfer-Freund. Gloria, die das Tanzen liebt, beginnt deswegen, auf Single-Partys überall in Los Angeles zu gehen. Tagsüber kämpft sie sich durch ihren langweiligen Alltag im Büro und nachts schlägt sie sich die Nächte um die Ohren. Bei einer dieser nächtlichen Streifzüge lernt sie Arnold (John Turturro) kennen. Zunächst scheint es für Gloria nun bergauf zu gehen, doch sie ist sich nicht sicher, ob sie ihrem neu gefundenen Glück trauen kann – vor allem als sie herausfindet, dass der ebenfalls geschiedene Arnold sie vor seinen Töchtern verheimlicht...


Bewertung: 

Schon mit der Wahl ihrer Haarfarbe macht Sebastián Lelio bewusst deutlich: Die (hier blonde) US-Gloria ist keine Kopie der chilenischen Titelheldin, sondern eine eigenständige Figur – eine begrüßenswerte Entscheidung. Der Versuch, das markante Spiel, für das Paulina García (nicht nur) in Berlin zu Recht gefeiert wurde, einfach abzupausen, wäre wohl ohnehin zum Scheitern verurteilt gewesen und einer Schauspielerin wie Julianne Moore auch irgendwie unwürdig. Gloria Bell, wie sie nun heißt, hat zwar sehr ähnliche Probleme – vor allem mit dem entscheidungsunfähigen Pantoffelhelden, der hier Arnold heißt und von John Turturro zwar mit mehr Charisma, aber genauso wenig Rückgrat verkörpert wird. Sie erlebt auch im Wesentlichen die gleiche Geschichte wie ihre chilenische Vorgängerin, aber Gloria Bell trägt nicht einfach nur eine etwas schickere Brille, sie muss sich eben auch in einem ganz anderen Setting behaupten.

Ein Merkmal dieses Settings, das Glorias Problematik noch verschärft: Mit Los Angeles bewegt sie sich in der Hauptstadt des Jugend- und Schönheitswahns, in der dem Altern ein entsprechend hoher Bedrohungswert zukommt. Mehrmals weist Lelios Drehbuch auf diesen Umstand hin: Einmal wird Gloria an der Bar von einer anderen Frau gefragt, ob sie „etwas habe machen lassen“, in einer anderen Szene verrät ihr eine Freundin den Insider-Tipp, sie müsse sich nur zeitgleich einen neuen Haarschnitt zulegen, dann würde von der Schönheits-OP niemand etwas merken. Nicht, dass Gloria derartiges geplant hätte. Trotzdem wird dank solcher Szenen der Druck deutlich, der die Mittfünfzigerin dazu verleitet, in Arnold ihre letzte Hoffnung auf ein neues Liebesglück zu sehen. Eine der ikonischen Szenen des Films (Gloria wirft vor einer tanzenden Skelettmarionette in der Fußgängerzone Geld in einen Hut) wird hier sogar unmittelbar mit einem Telefonanruf von Arnold verknüpft, auf dessen Versöhnungsversuche sich Gloria, sozusagen im Angesicht des Todes, dann doch einlässt.

Überhaupt ist in der US-Version einiges ein wenig offensichtlicher, so auch die der Figur Gloria inhärente Tragik, die Julianne Moore mit ihrem gefühlsbetonten Spiel eindeutiger herausarbeitet als Paulina García, deren subtile Darstellung immer wieder Raum für Interpretationen ließ, wie viel Verzweiflung sich denn nun wirklich hinter der starken Fassade verbirgt. Als Moores Gloria etwa ihre auswanderungswillige Tochter am Flughafen verabschiedet, sehen wir die Verlassene ihrem Kind in Tränen aufgelöst zum Gate nachblicken – eine Szene, die im Original fehlt. Das Bekenntnis zur Fragilität der amerikanischen Gloria zeigt sich auch deutlich in Lelios Entscheidung, sie vom missglückten Liebesurlaub mit Arnold nicht wie im Original von ihrer Haushaltshilfe, sondern von ihrer Mutter abholen zu lassen. Denn wenn frau Mitte 50 zurück in Mutters Schoß kriechen muss, ist der emotionale Nullpunkt unübersehbar erreicht. Dank Moores wunderbar einfühlsamer Darstellung dieser entwürdigenden Situation hat Gloria Bell allerdings selbst dann noch alle Sympathien auf ihrer Seite.

Neben der persönlichen gibt es im chilenischen Original auch eine politische Komponente, die Lelio in seinem Remake behutsam an den kulturellen Rahmen anpasst. Bei Büro- und Tischgesprächen geht es hier zum Beispiel um das Rentensystem, Waffenbesitz und den Klimawandel, während man in Chile noch unter anderem über Klassenunterschiede und die Nachwehen der Pinochet-Diktatur reflektierte. Diese politischen Momente halten sich unaufdringlich im Hintergrund und haben immer auch schlüssige Bezüge zu Glorias privater Geschichte. Dass hier in ihren privatesten Momenten deutlich weniger nackte Haut zu sehen ist, entschärft hingegen ein anderes provokatives Moment der chilenischen Version. Ein Zugeständnis an US-Sehgewohnheiten, das angesichts der ansonsten gelungenen (sprich: nicht glattbügelnden) Amerikanisierung aber kaum negativ ins Gewicht fällt.

Fazit: 

Keine bloße Kopie, sondern die nicht weniger überzeugende Geschichte einer etwas anderen Gloria, die von Julianne Moore einfühlsam und mit mehr Mut zur Tragik zum Leben erweckt wird – wenn der US-Version auch ein Stück weit das Geheimnisvolle fehlt, das die chilenische Gloria zum subtilen Faszinosum machte.   (mk)

Once Upon A Time... In Hollywood

pic (c) Sony Pictures Germany

Inhalt: 

1969: Die große Zeit der Western ist in Hollywood vorbei. Das bringt die Karriere von Western-Serienheld Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) ins Straucheln. Der Ruhm seiner Hit-Serie „Bounty Law“ verblasst mehr und mehr. Gemeinsam mit seinem Stuntdouble, persönlichen Fahrer und besten Freund Cliff Booth (Brad Pitt) versucht Dalton, in der Traumfabrik zu überleben und als Filmstar zu neuem Ruhm zu gelangen. Als ihm Filmproduzent Marvin Schwarz (Al Pacino) Hauptrollen in mehreren Spaghetti-Western anbietet, lehnt Rick ab – er will partout nicht in Italien drehen und von dem Sub-Genre hält er auch nichts. Stattdessen lässt er sich als Bösewicht-Darsteller in Hollywood verheizen und wird regelmäßig am Ende des Films von jüngeren, aufstrebenden Stars vermöbelt. Während die eigene Karriere stockt, zieht nebenan auch noch der durch „Tanz der Vampire“ und „Rosemaries Baby“ berühmt gewordene neue Regiestar Roman Polanski (Rafal Zawierucha) mit seiner Frau, der Schauspielerin Sharon Tate (Margot Robbie), ein. Derweil will Cliff seinem alten Bekannten George Spahn (Bruce Dern) einen Besuch in seiner Westernkulissenstadt abstatten. Dort hat sich inzwischen die Gemeinde der Manson-Familie eingenistet. Mit Pussycat (Margaret Qualley) hat der Stuntman schon Bekanntschaft gemacht…

Bewertung:

Stand am Anfang der Berichterstattung über das Projekt die Geschichte des Manson-Kults im Fokus, entpuppt sich dieses vermeintliche Zentrum des Films nun als Nebenhandlung. „Once Upon A Time In… Hollywood“ ist so auch viel weniger spannend, als es zu erwarten war, sondern vor allem sehr, sehr lustig. Tarantino teilt mächtig aus, vor allem gegen die „Fucking Hippies“ (Zitat Rick Dalton), die bei jeder Gelegenheit ihr Fett wegbekommen und beschimpft werden. Die gewohnt brillant-lässigen Dialoge sind derbe, aber es schwingt durchweg ein entwaffnender und trockener Humor mit. Und dafür braucht der für seine kultigen Dialoge bekannte Tarantino gar nicht immer große Worte. Wenn ein neuer Regisseur Rick Dalton altes Image als Westernheld unter einer Hippie-Matte verschwinden lassen will, reicht ein kurzer Blick auf DiCaprios mürrisches Gesicht: Das ist nämlich einfach nur köstlich.

Meist ist für den Humor aber Brad Pitt („Inglourious Basterds“) zuständig. Als schlagkräftiger Stuntman Cliff Booth, der nicht nur seinen Boss beschützt, sondern auch für seinen zwielichtigen Ruf gefürchtet wird, avanciert er sofort zum absoluten Publikumsliebling. Pitt hat die meisten Lacher auf seiner Seite, weil er lakonisch über den Dingen steht und austeilt, wenn es nötig ist. Eine bereits in den Trailern angedeutete Begegnung von Booth mit Kampfsportlegende Bruce Lee (Mike Moh) ist dann auch das Highlight in diesem an Highlights nicht armen Film – eine schlicht herausragend lustige Sequenz. Leonardo DiCaprio („Django Unchained“) hat als weinerlicher Rick Dalton zwar die undankbarere, weil weniger coole Rolle, meistert diese aber ebenso überragend, weil er eine größere Bandbreite an Emotionen zeigen darf. Sein Rick Dalton ist ein zerbrechlicher, manischer Charakter mit Selbstzweifeln, die er immer wieder zur Seite schieben will.

Die beiden herausragenden Hauptdarsteller haben einen großen Anteil daran, dass es keinen großen Plot braucht, sondern es auch einfach so einen Heidenspaß macht, zwei Jungs zuzusehen, wie sie auf der Suche nach einer Zukunft durch Hollywood irrlichtern und dabei einfach nicht von ihrer Vergangenheit loskommen. Dazu kommt natürlich Quentin Tarantinos meisterliche Inszenierung: Ohne Rücksicht auf historische Genauigkeit erschafft er mit exquisiten Sets seine ganz eigene Version der Traumfabrik im Jahr 1969, die er - mit einem tollen 60er-Jahre-Soundtrack unterlegt - von seinem Stammkameramann Robert Richardson zum Leben erwecken lässt. Die eleganten 35mm-Bilder des dreifachen Oscarpreisträgers passen perfekt zur damaligen Zeit. Und natürlich dürfen ein paar der für den Regisseur so typischen inszenatorischen Kabinettstückchen wie kurz-knackige Rückblenden, die auf den Punkt Argumente in einem Dialog unterstreichen, nicht fehlen.

„Once Upon A Time... In Hollywood“ ist so natürlich auch die Liebeserklärung eines Kinoverrückten. Und ein solcher Film über das große Hollywood braucht selbstverständlich eines der größten Staraufgebote, das nur denkbar ist. Deswegen bietet der Cast neben den zentralen und alles bestimmenden DiCaprio und Pitt sowie Margot Robbie („I, Tonya“), die auch noch etwas mehr Leinwandzeit hat und optisch perfekt Sharon Tate verkörpert, noch eine lange Liste namhafter Akteure. Teilweise laufen diese Top-Schauspieler nur einmal kurz durchs Bild. Das mag wie ein reiner Marketinggag oder pure Dekadenz wirken, doch oft haben gerade diese Mini-Auftritte, in denen zum Beispiel Kurt Russell eine Szene stiehlt oder Damian Lewis („Homeland“) die Leinwandikone Steve McQueen spielt, schon ihren Sinn, weil so selbst Kleinigkeiten an Wichtigkeit gewinnen. 

Immer wieder streut Tarantino nicht nur solche überraschenden Auftritte, sondern auch andere, einfach aus der Hüfte geschossen kleine amüsante Gimmicks ein. Diese Momente, in denen zum Beispiel der durchtrainierte Cliff Booth seine Fähigkeiten unter Beweis stellt, tragen oft überhaupt nichts zur Handlung bei, sind aber unerwartet, lässig und vor allem lustig. Das daraus resultierende Aufbrechen einer klassischen storygetriebenen Narration ist in dem satte 161 Minuten langen „Once Upon A Time... In Hollywood“ Konzept: Der Filmemacher schafft durch solche Momente eine außergewöhnliche Atmosphäre, die immer ein bisschen drüber ist, gerade dadurch aber eine rauschhafte Wirkung entfaltet, der man sich nicht entziehen kann.


 
Fazit: 

Quentin Tarantino enttäuscht mit „Once Upon A Time... In Hollywood“ eine ganze Reihe von Erwartungen und liefert gerade deswegen seinen überraschendsten Film. Brad Pitt und Leonardo DiCaprio brillieren dabei als jetzt schon ikonisches Duo in einer mit Filmzitaten gespickten, superlustigen, grandios gespielten, meisterhaften Thriller-Groteske, bei der 161 nostalgische Minuten wie im Flug vergehen - und die letzten 15 davon sind so ziemlich das Unterhaltsamste, was es seit längerem zu sehen gab. (mk)

Der Junge muss an die frische Luft

Facts:
Genre: Biografie, Drama, Komödie
Regie: Caroline Link
Cast: Julius Weckauf, Luise Heyer, Sönke Möhring
Laufzeit: 100 Minuten
FSK: ab 6 Jahre
Verleih: Warner Bros. GmbH

(c) Warner Bros. GmbH

 

Inhalt:
Der Ruhrpott im Jahr 1972: Der neunjährige Hans-Peter (Julius Weckauf) ist ein wenig pummelig, lässt sich davon aber nicht bedrücken. Stattdessen feilt er fleißig an seiner großen Begabung, andere zum Lachen zu bringen, was sowohl bei den Kunden im Krämerladen seiner Oma Änne (Hedi Kriegesgott) als auch bei seiner ebenso gut gelaunten wie feierwütigen Verwandtschaft natürlich gerne gesehen wird. Doch dann wird seine Mutter Margret (Luise Heyer) wegen einer chronischen Kieferhöhlenentzündung operiert und verliert ihren Geruchs- und Geschmackssinn, wodurch sie in eine tiefe Depression stürzt. Sein Vater Heinz (Sönke Möhring) ist ratlos, aber Hans-Peter fühlt sich dadurch nur noch umso mehr angetrieben, sein komödiantisches Talent auszubauen...

Bewertung:
In seiner rund eine Millionen Mal verkauften Autobiografie „Der Junge muss an die frische Luft“ kreist Hape Kerkeling in 19 Kapiteln, die sich nicht nur mit seiner Kindheit, sondern auch schon mit ersten Ausflügen ins Showgeschäft befassen, um den markerschütternden Suizid seiner geliebten Mutter. Obwohl Regisseurin Caroline Link diese schwierige Situation ebenso wie den Tod von Großmutter Änne nicht verschweigt, sind das nur wichtige Etappen, aber nicht das zentrale Thema von „Der Junge muss an die frische Luft“. Link geht es vielmehr darum, das Milieu zu schildern, in dem Hape Kerkeling zu dem erwachsen konnte, was er später war: ein Entertainer, der Millionen vor den Bildschirmen oder auf der Bühne in seinen Bann ziehen konnte. Der Schlüssel liegt einerseits im Charakter Kerkelings, aber vor allem in seiner herzlichen und liebevollen Familie, die trotz größter Krisen und vielen Schicksalsschlägen nie den Humor und die Wärme gegenüber Hans-Peter und seinem Bruder Matthes verlor.

Wenn man so will, ist „Der Junge muss an die frische Luft“ ein Prequel zu Julia von Heinz‘ großem Kino-Erfolg „Ich bin dann mal weg“ (zwei Millionen Besucher in Deutschland), der von Hape Kerkelings Auszeit-Erlebnissen auf seiner Pilgerreise auf dem Jakobsweg handelt. Dort war der Zugang zur Hauptfigur einfach, weil jeder Kerkeling vom Bildschirm kannte. Aber bei „Der Junge muss an die frische Luft“ stand natürlich die bange Frage im Raum: Schafft es ein solch junger Schauspielneuling tatsächlich, einen Film dieser Größe zu schultern? Aber die Antwort lautet schlicht und einfach Ja! Und wie! Der zum Zeitpunkt des Drehs neun Jahre alte Debütant Julius Weckauf ist eine Wucht als kleiner Hans-Peter Kerkeling. Das ist unglaublich wichtig für den Film. Der Junge beherrscht den rheinischen Dialekt auf natürliche Art und schlägt sich bravourös an der Seite von gestandenen Schauspielern wie Joachim Król, Luise Heyer und Sönke Möhring. Während um ihn herum die kleinen und großen Katastrophen geschehen, sucht Hans-Peter per Überlebensreflex die Flucht in den Humor.

„Der Junge muss an die frische Luft“ lebt weniger von einer aufsehenerregenden Handlung, denn das, was bei den Kerkelings passiert, ist eben Alltag wie in vielen anderen Familien des Ruhrpotts in den frühen 70er Jahren. Krankheiten, Zankereien, ein abwesender Vater – das sind alles keine Paradethemen für Lustspiele, aber Caroline Link gelingt es, auch in den größten Krisen stets eine unglaubliche Menge Wärme und Herzlichkeit von ihren Figuren auf das Publikum zu übertragen. Es ist also das „Wie“, das den Film so unterhaltsam macht – eingebettet in ein stimmiges, sorgsam ausgestattetes 70er-Jahre-Setting. Wenn zum Beispiel auf einem Höhepunkt der emotionalen Niedergeschlagenheit die Welt unter Hans-Peter zusammenzubrechen droht, schnappt sich sein „Oppa“ Willi den Jungen und fährt mit ihm in den Wanderurlaub nach Österreich. „Der Junge muss an die frische Luft“, meint er. Was in der Realität banal sein mag, hat im Film etwas zutiefst Menschliches. Von diesen Momenten lebt die Tragikomödie. Es geht um Zusammenhalt in der Familie – so lässt sich alles überwinden, das ist die Botschaft.

Damit es noch mehr zu lachen gibt, verteilt Caroline Link nebenbei kleine Seitenhiebe auf die Mittelklasse-Gesellschaft der 70er Jahre, wo Klatsch und Tratsch in der Nachbarschaft ganz groß waren. Da wird zum Beispiel über die umtriebige Frau Kolossa (Diana Amft) geschwätzt und haarklein seziert, wie es um ihren Männerverschleiß steht. Und da darf dann auch wieder Julius Weckauf brillieren: Wie er hier seine Mitmenschen nachmacht, persifliert und parodiert ist ganz großes Kino – da würde es uns nicht wundern, wenn er in den nächsten Jahren ebenfalls eine ähnlich steile Karriere wie der junge Hape Kerkeling hinlegt.

Fazit: 
„Der Junge muss an die frische Luft“ ist eine ebenso humorvolle wie herzliche Tragikomödie über die bewegte Kindheit des späteren Comedy-Superstars Hape Kerkeling. Wir vergeben herzzerreißende 8,5 von 10 Punkte für einen wirklich guten deutschen Film. (mk)

Johnny English - Man lebt nur dreimal

Facts:
Genre: Komödie
Regie: David Kerr
Cast: Rowan Atkinson, Emma Thompson, Olga Kurylenko
Laufzeit: 89 Minuten
FSK: ab 6 Jahre
Verleih: Universal Pictures Germany

(c) Universal Pictures Germany

Inhalt:
Johnny English (Rowan Atkinson) arbeitet mittlerweile nicht mehr als Geheimagent, sondern als Lehrer. Doch als ein mysteriöser Hacker sämtliche britischen Spione enttarnt, bleibt dem Geheimdienst nichts anderes übrig, als English zu reaktivieren und auf eine gefährliche Mission zu schicken, obwohl dieser bisher jeden seiner Aufträge verbockte. Denn er ist der einzige Undercover-Agent, der kein Opfer des Hackangriffs geworden ist – einfach weil English keinen Plan von der Digitalisierung und damit auch nicht von Smartphones oder Computern hat. Nun stolpert der Spion also mit seinen gnadenlos veralten Methoden und seiner trotteligen Art von einer Pleite zur nächsten, bleibt dennoch die letzte Hoffnung der britischen Premierministerin (Emma Thompson) –  und trifft die verführerische Ophelia (Olga Kurylenko)…


Bewertung: 

Die ersten beiden Filme der „Johnny English“-Reihe zielten 2003 und 2011 ziemlich genau auf das ab, was das Publikum dank Atkinsons „Mr. Bean“-Paraderolle von dem unerschrockenen Komiker gewohnt ist: Die Plots der als Bond-Persiflage angelegten Krimikomödien dienten in erster Linie dazu, wüste Slapstick-Eskapaden mehr schlecht als recht miteinander zu verknüpfen. Was im ersten Teil noch passabel funktionierte, wirkte im zweiten dagegen bemüht, ja, begann sogar zu langweilen. Autor William Davies verfasste zwar auch die Drehbücher zu „Johnny English - Der Spion, der es versiebte“ und „Johnny English - Jetzt erst recht!“, doch die sieben Jahre Pause zwischen dem zweiten und dem dritten Teil, zwischen denen er lediglich das Skript zu „Der gestiefelte Kater“ schrieb, haben sich bezahlt gemacht.

Die Story rund um den Hackerangriff auf den britischen Geheimdienst wirkt frisch und auf der Höhe der Zeit - und dass ein solch alteingesessener Gentleman-Spion wie Johnny English keinerlei Online-Affinität besitzt, ist ja auch nur allzu plausibel. Das Aufeinanderprallen zwischen dem Digital Immigrant und der global vernetzten Welt fördert schon von sich aus einige herausragende Comedy-Momente zutage, von denen die (im Trailer nicht einmal ansatzweise zur Geltung kommende) Virtual-Reality-Szene das Highlight des Films darstellt. Hier werden nicht nur Fans des typischen „Mr. Bean“-Humors großartig bedient, sondern auch Filmliebhaber, die abseits ihres persönlichen Humorverständnisses Timing und eine zielgenaue Inszenierung zu schätzen wissen. Wie Kameramann Florian Hoffmeister und das Cutter-Duo Tony Cranstoun („Das hält kein Jahr..!“) und Mark Everson („Paddington 2“) hier zwischen der virtuellen Welt, in der English allerlei Bösewichter außer Gefecht setzt, und dem realen London hin und her schneiden, bis das Ganze bis ins kleinste Detail synchronisiert ist, ist einfach nur verdammt unterhaltsam.

Ganz klar liegt der Fokus hier auf den Comedy-Elementen. Egal ob English und Bough aus Versehen ein feines Restaurant in Schutt und Asche legen, sich eine absurde Verfolgungsjagd mit der undurchschaubaren Schurkin Ophelia (Olga Kurylenko) liefern oder Johnny bei einer ausgiebigen Tanzeinlage nur durch Zufall immer wieder knapp dem Tod entkommt: „Man lebt nur dreimal“ steckt einmal mehr voller aberwitziger Ideen für überbordenden Slapstick und skurrilen Wortwitz. Das Besondere an diesem Film ist allerdings, dass Regisseur David Kerr auch die Agentenfähigkeiten seiner Hauptfigur nicht zu kurz kommen lässt. Ein Großteil der Eskapaden, die dazu beitragen, dass die Welt am Ende natürlich doch noch irgendwie gerettet wird, entwickelt sich zwar aus dem Zufall heraus. Doch Johnny English wird endlich auch zu einem durchaus fähigen Ermittler, der sich nicht mehr ausschließlich darüber definiert, möglichst witzig ins nächste Fettnäpfchen zu treten.

Der ganze Fall rund um den von Jake Lacy schön schmierig verkörperten Cyber-Terroristen Jason ist zwar rasch durchschaut, würde aber auch ohne die zahlreichen Comedy-Einlagen Rowan Atkinsons und seiner vielen Kollegen funktionieren. Dies liegt zum einen an den sauber ausgeführten Effekten: Wenn hier was explodiert, dann rummst es im Kinosaal spürbar. Zum anderen tragen aber auch die Darsteller einen Großteil zum soliden Erscheinungsbild von „Man lebt nur dreimal“ bei. Immer wieder stiehlt Emma Thompson Atkinson die Show, wenn sie als verzweifelt um Fassung bemühte Premierministerin versucht, Ordnung in das Chaos zu bringen und nur ungern auf die Hilfe des ihrer Meinung nach unfähigen Johnny English zurückgreift. Ben Millermacht als Englishs Kollege eine gute Figur und erdet die mitunter hanebüchenen Szenarien immer wieder aus der beobachtenden Position heraus, während Olga Kurylenko in ihrer für Überraschungen sorgenden Rolle nicht nur Johnny English den Kopf verdreht.

Fazit: 

Auch wenn die Messlatte nach den ersten beiden Filmen der Reihe nicht sonderlich hoch lag, ist „Johnny English – Man lebt nur dreimal“ nun der klar beste Teil der Reihe, in dem die zahlreichen gelungenen Comedy-Szenen einen routinierten Spionageplot ordentlich aufpeppen. Dafür vergeben wir undercovermäßige 6,5 von 10 Punkte. (mk)