SUICIDE TOURIST - ES GIBT KEIN ENTKOMMEN

 SUICIDE TOURIST - ES GIBT KEIN ENTKOMMEN

 

Facts:
Genre: Drama, Mystery, Thriller
Regie: Jonas Alexander Arnby

Cast: Nikolaj Coster-Waldau, Tuva Novotny, Robert Aramayo 

Laufzeit: 87 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
Verleih: DCM (Vertrieb LEONINE)

(c) DCM (Vertrieb LEONINE)

 

Inhalt:

Der Schock ist groß bei Max (Nikolaj Coster-Waldau), als er die Diagnose des Arztes hört: Hirntumor. Eine Heilung ist nicht möglich, ihm steht ein sicherer Tod bevor. Mehr noch, seine Persönlichkeit wird sich im Laufe der Krankheit verändern, wenn er zunehmend die Kontrolle über sich und seine Wahrnehmung verliert. Obwohl er eigentlich glücklich mit Lærke (Tuva Novotny) liiert ist, versucht er deshalb mehrere Male sich sein Leben zu nehmen, um dem Schlimmsten zu entkommen – jedoch erfolglos. Da stößt der Versicherungsmakler auf ein in den Bergen gelegenes Luxus-Hotel, das seinen Gästen einen Tod nach Wunsch ermöglicht. Doch was sich nach der Lösung für all sein Probleme anhört, stellt sich als Albtraum heraus …

Bewertung:

Darf ein Mensch sich selbst das Leben nehmen? Und darf man diesem dabei helfen, wenn er es selbst nicht schafft? Das sind keine leichten Fragen, von angenehm ganz zu schweigen. Denn wer will schon entscheiden, ob eine Selbstentfaltung auch eine Selbstzerstörung beinhaltet, ob das Recht auf Leben auch eine Pflicht zum Leben bedeutet. In Deutschland ist Sterbehilfe nach wie vor ein Tabu, weshalb Todkranke, die nicht einfach ihr unwürdiges Ende abwarten wollen, ins Ausland fahren und den Dienst spezieller Einrichtungen in Anspruch nehmen. Das wurde auch schon mehrfach in hiesigen Filmen thematisiert, Und morgen Mittag bin ich tot und Hin und weg handelten jeweils von einer solchen letzten Reise.

Zunächst scheint es, dass Suicide Tourist – Es gibt kein Entkommen in eine ganz ähnliche Richtung denkt. Auch hier gibt es einen todkranken Menschen, auch hier gibt es eine Einrichtung, welche beim Selbstmord hilft. Damit einher gehen die üblichen Fragen zur Legitimität und Moral, zur Verantwortung auch. Schließlich lässt man durch seinen Tod praktisch immer jemandem zurück. Das ist sicher der große Knackpunkt für Max, der zwischen beidem abwägen muss: die Liebe zu seiner Frau und der Wunsch, dem eigenen Leid aus dem Weg zu gehen. Vieles von dem, was in dem Film geschieht, ist durch diesen Konflikt geprägt, von den Gewissensbissen auch, dass Max sich nicht von Lærke verabschieden konnte.

Anders jedoch als die obigen deutschen Beispiele, wurde das Selbstmorddrama mit einem Mystery-Thriller verknüpft. Auf Realismus wird verzichtet, von Anfang an herrscht hier eine ganz eigenartige Stimmung. Zunächst ist die eher komisch-makaber, wenn die ersten Minuten von fehlgeschlagenen Selbstmordversuchen geprägt sind. Später verwischen die Grenzen jedoch zunehmend, wenn die Bedrohung durch den Ort und die Bedrohung durch einen selbst ineinander übergehen. Der deutsche Untertitel „Es gibt kein Entkommen“ verrät bereits etwas reißerisch vorweg, dass die Sache mit dem freiwilligen Selbstmord nicht ganz so freiwillig ist. Oder um es mit den Eagles zu sagen: „You can check out any time you like, but you can never leave.“

Dabei schlägt sich Suicide Tourist nie vollständig auf die Genreseite. Zwar nimmt der Film bekannte Versatzstücke wie etwa die wundervoll unheimliche Musik, die düsteren Bilder und versteckte Orte, an denen ganz bestimmt etwas nicht mit rechten Dingen zugeht. Doch diese bleiben weiterhin mit der tragischen Geschichte verknüpft. Das ist nicht ganz überraschen: Regisseur Jonas Alexander Arnby und Drehbuchautor Rasmus Birch hatten vor Jahren in When Animals Dream bereits Drama mit Genre verbunden. Wurde dort jedoch der Horror genommen, um den Schrecken des Erwachsenwerdens zu verdeutlichen, findet die Entfremdung hier zum Ende des Lebens statt, eingehüllt in einen Mystery-Thriller, der die Unsicherheit von Max mit Surrealem verdeutlicht.

Wer einen reinen Thriller erwartet, für den wird das eher zu wenig sein. Suicide Tourist – Es gibt kein Entkommen baut eher selten tatsächlich brisante Szenen ein. Der Film ist insgesamt ziemlich ruhig. Und natürlich sind einige der Einfälle hier nicht sonderlich originell, mehr das Standardprogramm eines Mystery-Thrillers, was durch die recht nichtssagende Hauptfigur noch deutlicher wird. In der Summe ist das aber durchaus sehenswert, nicht zuletzt wegen der audiovisuellen Ausgestaltung, die das Luxuriöse mit dem Skurrilen verbindet, die Schönheit mit dem Abgrund. Eine wirkliche Antwort auf die vielen Fragen, die das Thema provoziert, findet man hier nicht, dafür aber einiges, was noch nachhallt, lange nachdem die Credits über die Leinwand gelaufen sind.



Fazit:

Ein todkranker Mann checkt in ein spezielles Hotel ein, das maßgeschneiderte Selbstmorde anbietet. „Suicide Tourist – Es gibt kein Entkommen“ beginnt kurios, wandelt sich später in einen Mystery-Thriller, ist dabei jedoch in erster Linie ein Drama, das viele Fragen stellt. Die werden nicht alle beantwortet, einiges ist auch recht konventionell. Dafür überzeugt der teils surreale Genremix atmosphärisch und audiovisuell. Dafür vergeben wir belastende 7 von 10 Punkte. (mk)

Hard Powder (2019)

(c) StudioCanal Deutschland

Inhalt:

In Kehoe, einem verschneiten Skigebiet der Rocky Mountains, zeigt das Thermometer Minus 10 Grad an. Für den Schneepflugfahrer Nels Coxman (Liam Neeson) sind das perfekte Bedingungen. Er führt mit seiner Familie ein bescheidenes Leben, was sich allerdings schlagartig ändert, als sich sein Sohn mit dem Drogenboss Viking (Tom Bateman) einlässt und kurz darauf auf dessen Anordnung ermordet wird. Nels will Rache und sieht keinen anderen Weg, als sich selbst mit dem Drogenkartell anzulegen. Schnell wird allen Beteiligten klar: Das Kartell hat Nels ganz gewaltig unterschätzt, denn der dezimiert die Gangsterbande nach und nach.Und während Viking seinen ehemaligen Rivalen White Bull (Tom Jackson) für das Ableben von Nels' Sohn verantwortlich macht, entsteht ein eiskalter Bandenkrieg, der die schneeweißen Hänge der Berge sind schon bald blutrot färbt.


Bewertung:

Für ihr US-Remake von „Einer nach dem anderen“ haben sich die Produzenten der Einfachheit halber gleich an Original-Regisseur Hans Petter Moland gewendet. Das spricht nicht unbedingt für einen erfrischend-neuartigen Ansatz. Aber dafür ist der skurrile und nicht einfache Stoff eben auch in sicheren Händen, schließlich kann man hier mit dem Erzählton auch schnell mal neben der Spur landen, wenn man kein Gespür für diese schrägen Typen abseits des monolithisch-bodenständigen Schneepflugpflügers Nels Coxman hat. Ein Selbstplagiat ist „Hard Powder“ deshalb aber nicht unbedingt. Moland behält zwar die Grundpfeiler des Plots und oft auch inszenatorische Details wie die Einblendungen von Friedhofskreuzen nach jedem weiteren Toten bei, verlegt die Handlung aber in die Rocky Mountains und liefert dort nun sogar noch imposantere Panoramen von tiefverschneiten Schneelandschaften als im norwegischen Original – absolut beeindruckende Bilder. Auch was die erzeugte Atmosphäre angeht, passt Moland seinen Film durchaus der Verpflanzung der Story von Norwegen nach Colorado an.

Die Besetzung von Liam Neeson („96 Hours - Taken“, „Run All Night“), einem der rüstigsten Action-Senioren Hollywoods, ist so logisch wie stimmig: In seiner spätgefundenen Paraderolle des wortkargen Aufräumers kann Neeson seinem ähnlich störrischen Vorgänger Stellan Skarsgard durchaus Paroli bieten, wenn er als väterlicher Racheengel kaum eine Miene verzieht und bei seinen brutalen Feldzügen gegen das Böse die Sympathien – allein schon mangels Alternativen in dieser abgrundtief verabscheuungswürdigen Welt – sicher auf seiner Seite weiß. Dabei fällt die Einführung der Figuren sehr knapp aus, weshalb der Sprung vom besorgten Familienvater zum Rache-Berserker, der seine Opfer brutal ermordet und anschließend mitleidlos entsorgt, wie schon im Original sehr knapp und plötzlich anmutet. Aber „Hard Powder“ lebt sowieso nicht von der Tiefe seiner Charaktere, sondern von deren oft köstlich-abgründigen Absonderlichkeiten.

Etwas Ähnliches gilt auch für die Methoden, mit denen Nels Coxman seine Widersacher ins Jenseits befördert. Jedenfalls haben wir noch niemanden gesehen, der sich in eine Rodemaschine schwingt, einen kompletten Baum in Sekunden zu einem Megarammbock anspitzt und aus mehreren Metern Höhe auf einen im Auto festsitzenden Gangster niederkrachen lässt – ein waschechter Wow-Effekt. Kein Wunder also, dass es die Szene sogar bis aufs Filmplakat von „Hard Powder“ geschafft hat. Regisseur Moland pfeift auf Bodenständigkeit, sondern strebt nach Schauwerten, Skurrilität und natürlich möglichst viel schwarzen Humor, der all die Abscheulichkeiten deutlich leichter verträglich macht.

Und den stoischen Grübler, der auch hart austeilen kann, spielt Neeson mittlerweile im Schlaf. Aber langweilig wird es trotzdem nie. Sein Gegenspieler Tom Bateman („Mord im Orient-Express“) gibt als super-cholerischer Drogenboss Viking Vollgas, während das Talent von Laura Dern („Jurassic Park“, „Big Little Lies“) als kiffend-depressive Mutter in dieser limitierten Rolle weitergehend verschenkt wird. Als wahrer Szenendieb spielt sich hingegen William Forsythe („The Rock“) als Nels‘ extravaganter Bruder ins Gedächtnis. Der Ex-Gangster trug einst den Codenamen „Wingman“  und versucht nun, Nels aus der Patsche zu helfen – was in einer sehr amüsanten „True Romance“-Reminiszenz endet. In diesen Szenen ist „Hard Powder“ ähnlich skurril-komisch wie das Original.

Ansonsten bleibt das Action-Drama konsequent immer eine kleine Spur hinter „Einer nach dem anderen“ zurück. „Hard Powder“ ist schon brutal, wenn ein Gangster nach dem anderen um die Ecke gebracht wird, aber auch nicht so explizit, dass es ein potenzielles Mainstreampublikum allzu sehr vergrätzen könnte. Dieses Muster zieht sich durch den ganzen Film. Etwas weniger Absurdität, etwas weniger Groteske, etwas weniger Wahnsinn – insgesamt etwas weniger Groove, aber immer noch ziemlich unterhaltsam.

Fazit: 
Durchaus ruppig und rau, aber insgesamt weniger radikal – Hans Petter Moland legt seine Gangster-Thriller-Groteske „Einer nach dem anderen“ als mit wunderschönen Schneepanoramen und abgründigen Sonderlingen gespicktes US-Remake selbst neu auf. 


Text by (mk) 

Glass (2019)

(c) Walt Disney Germany

Inhalt:

Kevin Wendell Crumb (James McAvoy) ist noch immer auf freiem Fuß und hochgefährlich. Der junge Mann, der mehrere Persönlichkeiten in sich vereint, hat schon einige Menschenleben auf dem Gewissen und die Gefahr besteht, dass es schon sehr bald mehr werden, denn in ihm schlummert die Bestie, die gefährlichste seiner Persönlichkeiten. Der unverwundbare David Dunn (Bruce Willis), der seit dem Krebstod seiner Frau gemeinsam mit Sohn Joseph (Spencer Treat Clark) eine Sicherheitsfirma betreibt, heftet sich deshalb an seine Fersen, um ihm das Handwerk zu legen. In einem Lagerhaus kommt es zum Showdown zwischen Crumb und Dunn, der jedoch von einer Spezialeinheit der Polizei unterbrochen wird. Nun müssen die beiden Männer die Psychiaterin Dr. Ellie Staple (Sarah Paulson) davon überzeugen, dass sie keine Superkräfte haben – ansonsten werden sie für immer weggesperrt. Mit ihnen ihm Raum sitzt ein weiterer Patient mit einem vermeintlichen Superheldenkomplex: Elijah Price alias Mr. Glass (Samuel L. Jackon)...


Bewertung:

M. Night Shyamalan holt nun in „Glass“ nach, was er damals eigentlich schon in „Unbreakable“ erzählen wollte – aber dieser Teil, der den Film damals vermutlich sogar noch runder gemacht hätte und der nun auch in „Glass“ zumindest ordentlich funktioniert, macht vielleicht 15 Minuten aus. Den Rest, also alles rund um die an Arkham Asylum aus den „Batman“-Comics erinnernde psychiatrische Anstalt und die Therapieversuche von Dr. Ellie Staple, hat sich Shyamalan hingegen neu hinzugedacht – und speziell dieser Teil ist leider wenig überzeugend geraten. Es gibt vereinzelte Sequenzen, die zumindest für sich genommen angenehm intensiv ausfallen, was in den meisten Fällen mit dem erneut grandiosen, zwischen mehr als einem Dutzend Persönlichkeiten hin und her wechselnden Spiel von James McAvoy („Es 2“) zu tun hat. Dasselbe gilt für einige gelungene Pointen, die vor allem mit der neunjährigen Crumb-Persönlichkeit Hedwig und ihren Popkulturanspielungen zu tun haben. Aber insgesamt gibt es auch erstaunlich viel Leerlauf – und die eigentlich zentrale Figur der Psychiaterin ist erst lange Zeit wenig spannend und anschließend wenig glaubhaft.

Der Film sieht, wie von Shyamalan nicht anders gewohnt, erneut ziemlich gut aus – und die zwei zentralen, betont gegen die gängigen Comic-Blockbuster-Konventionen gebürsteten Actionsequenzen sind ebenfalls gelungen. Trotzdem ist „Glass“, wenn man ihn für sich allein als Thriller oder Horrorfilm betrachtet, rein spannungs- und überraschungstechnisch eine Enttäuschung. Interessanter wird es, wenn man „Glass“ zugleich als Film über seine eigene Entstehungsgeschichte und die damit einhergehende Freiheitsfindung seines Schöpfers versteht. Nach seinem sechsfach oscarnominierten Megahit „The Sixth Sense“ besaß Shyamalan erst einmal Narrenfreiheit. Aber als er diese dann für „Unbreakable“ nutzte, wusste das Studio Disney mit dem nerdigen Ergebnis nicht wirklich etwas anzufangen – und entschied sich dazu, die Worte „Comic“ und „Superheld“ komplett aus dem Marketing herauszulassen. Das Ergebnis waren viele harsche Verrisse von Kinogängern und Kritikern, die einfach etwas völlig anderes erwartet hatten und mit dem Meta-Comic-Drama auch deshalb nichts anfangen konnten. Diese Reaktionen markieren – neben dem Flop von „Die Legende von Aang“ – wohl noch immer die dunkelste Stunde in der Karriere des Filmemachers.

Aber dann drehte Shyamalan 2015 mit seinem eigenen Geld den Horror-Hit „The Visit“ – und dieser unabhängigen Herangehensweise ist er seitdem treu geblieben, selbst als die Studios plötzlich wieder Schlange standen. Universal Pictures und Walt Disney haben ihn nach dem Erfolg von „Split“ praktisch bekniet, für die Finanzierung von „Glass“ aufzukommen zu dürfen, aber er ist hart geblieben und hat das Budget erneut vollständig aus eigener Tasche bezahlt. Und wenn Mr. Glass nun an einer Stelle davon erzählt, dass er 19 lange Jahre auf die Verwirklichung seines Plans warten musste, dann meint man, in dieser Szene auch den Regisseur selbst zu vernehmen, der hier mit einer Mischung aus Bockigkeit und Stolz seine Rückkehr auf den Hollywood-Olymp zelebriert. „Glass“ ist voll von solchen (Meta-)Momenten, die man von Shyamalan ja bereits kennt.

Zugleich sorgt so eine Selbstfinanzierung natürlich auch für eine gerade im Hollywoodgeschäft ungewohnte Freiheit, die Shyamalan hier gleich in mehrfacher Hinsicht ausnutzt: Im Finale von „Glass“ zermalmt der Regisseur seine inzwischen Eastrail-177-Trilogie getaufte Filmreihe mit einer unglaublichen Chuzpe, wo die Verantwortlichen eines involvierten Studios sonst wohl zumindest mal nachdrücklich auf ihn eingeredet hätten, ob er es sich nicht doch noch einmal anders überlegen möchte. An dieser Stelle können wir ihm zu seiner unbedingten Konsequenz jedenfalls nur gratulieren, selbst wenn der finale Twist unserer Meinung nach so einfach nicht funktioniert, weil die Welt in medialer Hinsicht inzwischen ganz anders tickt (aber darauf gehen wir dann in einem Artikel nach dem Kinostart noch mal genauer ein). Ein weiterer positiver Nebeneffekt: Wenn ein Schauspieler weiß, dass sein Regisseur so sehr an seine Vision glaubt, dass er das alles selbst bezahlt, dann gibt sich sogar ein inzwischen altersmüder Bruce Willis noch mal sichtlich Mühe, selbst wenn hier neben McAvoys Tour-de-Force naturgemäß alle anderen Schauspieler blass bleiben.

Was die schon in „Unbreakable“ steckende Liebeserklärung an die Superhelden-Comics und ihre Wurzeln angeht, sind die Öffentlichkeit und speziell die Kinolandschaft 19 Jahre später natürlich unfassbar viel weiter. Deshalb macht Shyamalan ohne ein Studio im Rücken diesmal auch keinerlei Gefangene mehr und zieht den Takt der Comic-Anspielungen noch einmal stark an. Nur hat das damals bei „Unbreakable“ auch deshalb so hervorragend geklappt, weil der Film als sehr geerdetes Charakterdrama beginnt und dann auf einmal noch dieser Comic-Überbau als weitere Ebene hinzukommt. In „Glass“ fehlt dieser emotionale Unterbau weitgehend, beziehungsweise es wird erfolglos versucht, diesen auf die Nebenfiguren von Dunns Sohn, Prices Mutter (Charlayne Woodard) und Crumbs Ex-Opfer Casey abzuwälzen. Was Shyamalan etwa mit dem als „Marvel“ angeteaserten höchsten Wolkenkratzer der Stadt anfängt, der am nächsten Tag feierlich eröffnet werden soll, ist eine von vielen verdammt cleveren Comic-Genre-Meta-Spielereien, die diesmal sogar cleverer sind als die legendären Shyamalan-Twists selbst. Aber das Herz als Grundlage fehlt.

Fazit: 
Gerade nach seinen beiden sehr starken Vorgängern ist „Glass“ zumindest als Genrefilm doch eine Enttäuschung. Als Meta-Kommentar zu seiner eigenen Entstehung bietet er hingegen eine Menge interessante Momente. 

Text by (mk)

Ballon

Facts:
Genre: Thriller, Drama
Regie: Michael Bully Herbig
Cast: Friedrich Mücke, Karoline Schuch, Davor Kross
Laufzeit: 125 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
Verleih: StudioCanal Deutschland

(c) StudioCanal Deutschland

Inhalt:
Die Familien Strelzyk und Wetzel leben in der DDR und wollen weg. Im Sommer 1979 ist es so weit: Nach zwei Jahren harter Arbeit starten Peter (Friedrich Mücke), seine Frau Doris (Karoline Schuch) und ihre beiden Kinder (Jonas Holdenrieder und Tilman Döbler) sowie das Ehepaar Günter (David Kross) und Petra (Alicia von Rittberg) mit seinen zwei Söhnen (Ben Teichmann und Christian Näthe) endlich ihren Fluchtversuch in einem selbstgebauten Heißluftballon. Doch die Flucht aus ihrer Heimat in Thüringen endet kurz vor der innerdeutschen Grenze, als der Ballon abstürzt. Die beiden Familien arbeiten fieberhaft an einem neuen Ballon, denn mittlerweile ist ihnen die Stasi auf die Schliche gekommen und beginnt mit den Ermittlungen. Noch kennt die DDR-Geheimpolizei den Absturzort nicht, doch die Schlinge zieht sich immer enger zu. Es beginnt ein gnadenloser Wettlauf gegen die Zeit…


Bewertung:
Nachdem Michael „Bully“ Herbig 2009 mit „Wickie und die starken Männer“ einen weiteren Megahit gelandet hatte (4,9 Millionen Besucher in Deutschland), überließ er zwei Jahre später die kommerziell logische Fortsetzung „Wickie auf großer Fahrt“ (1,8 Millionen Besucher) lieber seinem Kollegen Christian Ditter („How To Be Single“) und drehte stattdessen als Hauptdarsteller für Leander Haußmann die historische Verwechslungskomödie „Hotel Lux“ und für Helmut Dietl die satirische „Kir Royal“-Kinofortsetzung „Zettl“. Doch die Zuschauer blieben bei diesen deutschen Produktionen ebenso weg wie bei Herbigs Hollywood-Ausflug als Zauberer in „Der unglaubliche Burt Wonderstone“ (an der Seite von Steve Carrell und Jim Carrey).

Doch schon seit Jahren schwelte in Herbig der Wunsch, etwas außerhalb der Comedy-Blase zu inszenieren. Die Geschichte der geflüchteten Familien Strelzyk und Wetzel, die 1979 weltberühmt wurden und in den Medien Schlagzeilen machten, ließ den Filmemacher nicht mehr los. Bis allerdings alle hochkomplizierten Rechteprobleme gelöst waren, vergingen Jahren. Die Familien hatten ihre Lebensgeschichte an Disney verkauft, weshalb der Stoff mit Schauspielern wie John Hurt, Jane Alexander und Beau Bridges bereits als „Mit dem Wind nach Westen“ verfilmt wurde. Allerdings lockte die Verfilmung 1982 nur schwache 233.000 Zuschauer in die deutschen Kinos.

Bullys „Ballon“ ist frei von komödiantischen Anflügen (außer in der letzten Szene, die tatsächlich einen knochentrockenen Witz enthält) oder sonstigen Bezügen ins Bully-Universum. Herbig macht ernst - und das glücklicherweise mit aller Konsequenz. Aus dem Schauspiel hält sich der Münchener auch komplett raus und überlässt den Jüngeren das Feld (obwohl David Kross als Günter Wetzel dem Bully-Look schon nahe kommt, aber vom Alter her wesentlich besser passt). Das DDR-Setting des Jahres 1979 ist authentisch nachgestellt und leinwandfüllende Kinobilder hat Herbig auch schon in seinen Comedy-Filmen immer wieder aufblitzen lassen. So ergibt sich ein stimmiger Mix aus emotional griffiger Geschichte, bei der man sofort mit den beiden Familien mitfiebert, und zeitgeschichtlichem Kino, das eine untergegangene Epoche der deutschen Historie filmisch wieder auferstehen lässt.

Dabei ist Herbig immer an einer straffen Dynamik gelegen, er hält das Erzähltempo hoch und steigt gleich mit einem ersten Fluchtversuch ein, ohne die akribische Vorbereitung zu zeigen – das holt er dann teilweise beim nächsten Ballon-Anlauf nach, während auf der zweiten Erzählebene die Hatz auf die Fahnenflüchtigen auf Hochtouren läuft. Während der von Ronald Kukulies („Weinberg“) ungehobelt-jovial gespielte Stasi-Nachbar Erik Baumann als ständige unterschwellige Bedrohung im Umfeld der Familien rumschnüffelt, ohne etwas zu ahnen, ist Thomas Kretschmann („King Kong“) als ermittelnder Oberstleutnant Seidel der dramaturgische Gegenpol. Er lässt nicht locker, bevor die Verdächtigen gefasst sind, weil der Staat es so verlangt. Aber Kretschmann spielt den Stasi-Kettenhund nicht als tumben, hasserfüllten Hetzer, sondern differenziert mit kleinen Brüchen, in denen der intelligente Jäger manchmal das System leise hinterfragt, ohne deshalb wirklich von seiner Aufgabe abzulassen. Diese Durchlässigkeit der Betonköpfe macht „Ballon“ erzählerisch noch stimmiger.

Die verschworene Heldengruppe um Friedrich Mücke („Friendship!“), Karoline Schuch („Ich bin dann mal weg), David Kross („Gefährten“) und Alicia von Rittberg („Herz aus Stahl“) sammelt die Sympathien mühelos ein. Warum die Flüchtigen aber dieses enorme Risiko eingehen und mit einem provisorischen Heißluftballon fast 2.000 Meter aufsteigen und dabei teils kleine Kinder an Bord haben, wird nicht substanziell hinterfragt. Herbig setzt stattdessen auf einen klassischen Spannungsbogen und zieht die Schlinge immer fester zu, wobei er es mit den dramatischen Zuspitzungen aber manchmal auch übertreibt. Dann verzettelt er sich in inszenatorischen Mätzchen. So schneidet er Szenen bewusst widersprüchlich zusammen, um eine mögliche Enttarnung der Verdächtigen in allerletzter Sekunde als falsche Fährte zu offenbaren. Das hat etwas von Jump Scares, die man normalerweise im Horrorgenre benutzt und die einen zwar erschrecken, aber im Grunde substanzlos sind. Hat man dieses manipulative Mittel durchschaut, fehlt beim nächsten Auftreten dieses Musters der Kick, weil der Bauerntrick längst aufgeflogen ist.

Fazit: 

Bully macht keine Anstalten, Bully zu sein! Michael Herbigs Debüt im Thrillerfach hebt sich konsequent von seinen bisherigen Comedy-Arbeiten ab. „Ballon“ ist eine – trotz bekannten Ausgangs – spannende Familiengeschichte vor der wohl außergewöhnlichsten Flucht aus der DDR. Daher vergeben wir gefesselte und nicht abgehobene 8 von 10 Punkte. (mk)

MEG 3D

Facts:
Genre: Action, Thriller
Regie: Jon Turtelaub
Cast: Jason Statham, Bingbing Li, Rainn Wilson
Laufzeit: 116 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
Verleih: Warner Bros GmbH

(c) Warner Bros GmbH

Inhalt:
Nachdem ein Tiefsee-U-Boot von einem ausgestorben geglaubten Riesenhai angegriffen wurde, sinkt das Fahrzeug in den tiefsten Graben des Pazifiks und liegt dort manövrierunfähig am Meeresgrund. Der Crew an Bord läuft allmählich die Zeit davon und daher engagiert der Meeresforscher Dr. Minway Zhang (Winston Chao) den erfahrenen Taucher Jonas Taylor (Jason Statham). Taylor ist zwar Experte für Bergungen in der Tiefsee, allerdings ist er vor Jahren schon einmal mit dem urzeitlichen Riesenhai, einem mehr als 20 Meter langen Megalodon, aneinandergeraten. Doch gemeinsam mit Dr. Zhangs Tochter Suyin (Bingbing Li) muss er nun seine Ängste überwinden und schwere Geschütze auffahren, um den eingeschlossenen Menschen zur Hilfe eilen zu können – und die Weltmeere von der Schreckensherrschaft des Urzeitmonsters zu befreien…


Bewertung:
Es gibt vor allem einen Grund, sich „Meg“ anzusehen – und das ist erstaunlicherweise nicht der titelgebende, mehr als 20 Meter lange Haikoloss. Stattdessen stiehlt The Stath komplett die Show, völlig egal wie viele und wie große Zähne der Megalodon hier spazieren schwimmt. Im kommenden Jahr werden Jason Statham und Dwayne Johnson gemeinsam in dem „Fast & Furious“-Spin-off „Hobbs & Shaw“ zu sehen sein – und vielleicht sollte man die Namen im Titel bis dahin noch umdrehen, denn was Statham in „Meg“ abzieht, ist sogar noch sehr viel cooler und testosterontriefender als Johnsons jüngste Auftritte in „Rampage“ und „Skyscraper“. Wenn sein „The Expendables 2“-Co-Star Chuck Norris mal in Rente gehen sollte, dann könnte The Stath ohne Probleme einfach all die Internet-Memes des „Texas Rangers“ übernehmen.

Der Hai hat da wie gesagt keine Chance. Aber selbst wenn man mal davon absieht, dass The Stath eben keiner das Wasser reichen kann, ist der Megadolon doch eine kleine Enttäuschung, weil er eben einfach nur groß ist. Versteht uns nicht falsch, in manchen Szenen ist die Größe allein mehr als genug, etwa in dem jetzt schon ikonischen Moment aus dem Trailer, als der Hai ins Glas beißt, während ein kleines Mädchen vor der Scheibe steht. Aber darüber hinaus entwickelt das Urzeitmonster einfach keine „Persönlichkeit“ – und das, obwohl der Film und die zugrundeliegende Romanreihe von Steve Alten nach ihm benannt sind. Ein wenig hat das übrigens auch mit einem Twist in der Mitte des Films zu tun, der nicht nur nicht überraschend ist, sondern dem Antagonisten auch noch den Reiz des Besonderen und Übermächtigen nimmt.

So langsam wird es ja langweilig, bei chinesisch-amerikanischen Blockbuster-Co-Produktionen genau auseinander zu baldowern, welches Element des Films nun für welchen Markt mit eingebaut wurde. Aber bei „Meg“ liegt dieser Gedanke noch mal besonders nahe – denn die Macher haben sich hier leider ganz sicher nicht das Beste aus beiden Welten zusammengesucht: So stammt aus den USA schon mal die Vorgabe, dass „Meg“ unbedingt eine Jugendfreigabe bekommen sollte (übrigens auch einer der Gründe, warum der ursprünglich vorgesehene Regisseur Eli Roth das Projekt wegen kreativer Differenzen wieder verlassen hat).

Nun ist es nicht so, dass in einem solchen Film unbedingt sehr viel mehr Blut fließen muss. „Meg“ ist ja nicht in erster Linie ein Horror-Schocker, sondern ein Action-Fest – da sind ein abgerissener Arm hier und ein wenig rotes Wasser dort schon okay. Aber offenbar ist es so, dass die Vorgabe den Kreativen ein Stück weit ihren Freiraum genommen hat. Jon Turteltaub selbst hat in einem Interview berichtet, dass es etliche geile Ideen für Szenen mit dem Hai gab, die aber wohl alle mit der Jugendfreigabe nicht vereinbar gewesen wären. „Meg“ mangelt es so nicht an brutalen, sondern an wirklich kreativen Szenen – und wenn den Machern scheinbar nur heftige Sequenzen einfallen, dann hätten wir lieber die genommen als viele der recht austauschbaren Haiattacken, die es jetzt in den Film geschafft haben.

Mit China gibt es hingegen ein ganz anderes Problem und das hat weder mit den Schauplätzen (es ist nun wirklich völlig schnuppe, vor welcher Millionenmetropole das offenen Meer liegt) noch dem Casting (abgesehen von den chinesischen Stars wie Bingbing Li wurden auch einige der westlichen Schauspieler offensichtlich vor allem deshalb besetzt, weil sie wie Ruby Rose in Filmen mitgespielt haben, die wie „Resident Evil: The Final Chapter“ oder „ 3: Die Rückkehr des Xander Cage“ speziell in China besonders erfolgreich waren) zu tun. Stattdessen geht es ums Pathos und die damit verbundene Ernsthaftigkeit des ganzen Unternehmens.

Da wird sich geopfert und es wird versucht, der Familienehre gerecht zu werden – und all das mit einer erstaunlichen Ernsthaftigkeit, wenn man bedenkt, dass da gerade ein gigantischer Hai herumschwimmt, der eigentlich schon seit mehreren Millionen Jahren ausgestorben sein sollte. „Meg“ ist ein gerade in Anbetracht des Marketings unerwartet wenig selbstironischer Film geworden. Eher funktioniert er die meiste Zeit über wie ein klassischer (und als solcher leider nicht sonderlich origineller) Katastrophenfilm. Nur The Stath hat darauf eben sichtlich überhaupt keinen Bock und macht stattdessen lieber sein eigenes Ding – und erreicht dabei stellenweise sogar „Crank“-Niveau!

Fazit: 

Jason Statham rockt, der Hai ist okay, auf den Rest hätten wir auch gern verzichten können. Dafür sind leider auch nicht mehr als 4 fischarme Punkte drin. (mk)