Qissa - Der Geist ist ein einsamer Wanderer

Facts:

Genre: Drama
Regie:Anup Singh

Cast: Irrfan Khan, Tillotama Shome, Rasika Dugal, Tisca Chopra

Laufzeit: 109 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
Verleih: Camino Filmverleih

(c) Camino Filmverleih

Inhalt:

Umber Singh (Irrfan Khan) ist ein Sikh, der während Indiens Trennung 1947 alles verliert und sein Heimatland verlassen muss. Er ist besessen von dem Wunsch nach einem männlichen Nachfolger, doch bisher sind alle seine drei Kinder Mädchen und mindern damit das Ansehen seiner Familie. Als Umber eine weitere Tochter bekommt, forciert er einen Etikettenschwindel, gibt dem Druck der gesellschaftlichen Zwänge nach: Er beschließt, die Kleine in dem Glauben aufwachsen zu lassen, ein Junge zu sein – und sie entsprechend zu erziehen. Doch als viele Jahre später die Hochzeit seines "Sohnes" Kanwar (Tillotama Shome) mit einem Mädchen (Rasika Dugal) aus niederer Kaste ansteht, muss sich Umbers Familie der Wahrheit stellen. Die Situation eskaliert und die selbstgebaute Realität, vom besessenen Vater so mühevoll aufgebaut, droht zusammenzustürzen… 

Bewertung:

Am Schicksal eines Mädchens, das als Junge großgezogen wird, macht Anup Singh das Geburtstrauma Indiens fest und prangert, zwischen Traum und Albtraum oszillierend, die patriarchalischen Strukturen des Landes an.

Der indische Film wird meist mit Bollywood gleichgesetzt, man denkt an rauschhafte, verzwickte Liebesgeschichten, farbenfrohe Bilder, Gesangs- und Tanzeinlagen. Darüber wird gern vergessen, dass im immer noch produktivsten Filmland der Welt auch der Autorenfilm Tradition besitzt, man denke nur die Meilensteine von Satyajit Ray ("Apu"-Trilogie) oder Mrinal Sen ("Khandhar"). Diesen Regisseuren ist auch Anup Singh zuzurechnen, dessen zweiter Spielfilm "Qissa - Der Geist ist ein einsamer Wanderer" als europäische Koproduktion - darunter die Kölner "Heimatfilm" - entstand.

In die Geschichte führt sein (Familien-)Drama zurück, ins Jahr 1947 als Britisch-Indien auf Grund religiöser und ethnischer Konflikte zerbricht und dies zur Gründung zweier unabhängiger Staaten, Indien und Pakistan, führt. Der Sikh Umber Singh (Irrfan Khan) ist daraufhin gezwungen seine Heimat zu verlassen. In der Fremde muss er sich eine neue Existenz aufbauen. Schlimmer noch wiegt jedoch, dass seine Frau ihm keinen Stammhalter schenkt. Als die vierte Tochter auf die Welt kommt, tauft er das Mädchen Kanwar ("junger Prinz") und erzieht sie im Glauben ein Mann zu sein.

Seiner Mutter hat Singh den Film gewidmet, inspiriert zu seinem Drehbuch haben ihn die Erinnerungen des Großvaters, der an der Zwangsumsiedlung zeitlebens litt und gerne von Shiva, dem Gott der Schöpfung und der Zerstörung, erzählte. Entsprechend zwischen Traum, Albtraum und harscher Realität pendelt die Arbeit. In einer (fast) mythologischen Zwischenwelt bewegen sich die Menschen, in der auch Geister ihren Platz haben und die von patriarchalischen Strukturen bestimmt ist. Um Identität und Selbstfindung geht es - festgemacht an Kanwar -, um das Trauma eines ganzen Volkes und um das Los indischer Frauen, die in ihrer Gesellschaft so gut wie nichts gelten.

Dunkel hält Sebastian Edschmid ("Black Death") die Bilder, Braun-, Schwarz- und Grüntöne herrschen vor. Die Figuren verschwimmen in nächtlichen Szenarien, Mann und Frau sind oft nicht zu unterscheiden. Bedächtig bleibt das Tempo dieses "Volksmärchens", so die wörtliche Übersetzung des Titels aus dem Arabischen. Mimik und Gestik kommen viel Bedeutung zu, die Dialoge sind reduziert. Irrfan Khan ("Lunchbox") besticht in der Rolle des durchaus sympathischen, vielschichtig gezeichneten Vaters. An seiner Hybris zerbricht er letztlich und wird zum Wanderer zwischen den Welten, der selbst nach seinem Tod noch ein Getriebener bleibt.

Fazit:

Ein zeitiges und aktuelles Drama, das aus der Bahn geworfen wird, als es seltsam ins Übernatürliche übergeht. Am Ende bleibt man nachdenktlich im Kinosessel sitzen. Für diverse Denkanstösse vergeben wir 7 von 10 Punkte. (mk)

Wüstentänzer - Afshins verbotener Traum von Freiheit

Facts:

Genre: Drama, Biographie
Regie:Richard Raymond

Cast: Freida Pinto, Nazanin Boniadi, Tom Cullen (III)

Laufzeit: 98 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
Verleih: Senator Filmverleih

(c) Senator Filmverleih

Inhalt: 

Der junge Iraner Afshin Ghaffarian (Reece Ritchie) tanzt für sein Leben gern, obwohl genau diese Leidenschaft in seinem Heimatland unter Strafe steht. Sein großes Interesse wird neuerlich befeuert, als es ihm gelingt, an seiner Teheraner Uni einen Internet-Account zu hacken und darüber an Musik- und Tanzvideos aus aller Welt zu kommen, von Michael Jackson bis zu Pina Bausch. Gemeinsam mit ein paar gleichermaßen Interessierten begründet Afshin eine geheime Tanzgruppe, die sich in einem abgelegenen Raum zum Proben trifft. Eine der Tänzerinnen ist die geheimnisvolle Elaheh (Freida Pinto), für die er schnell mehr empfindet. Doch die versteckte Tänzergemeinschaft gerät in Gefahr, je näher die Präsidentschaftswahlen rücken und umso größer die politischen und gesellschaftlichen Spannungen im Land werden. Afshin entschließt sich trotzdem zu einem Auftritt… 

Bewertung:

 Die Helden in „Wüstentänzer – Afshins verbotener Traum von Freiheit“ sind junge Menschen, die gegen die Unterdrückung künstlerischen Ausdrucks im Iran Widerstand leisten – indem sie sich dem absoluten Tanzverbot, das seit der islamischen Revolution von 1979 gilt, widersetzen. Den zeitgeschichtlichen Hintergrund bilden dabei die studentischen Proteste von 2008 und 2009 anlässlich der Wiederwahl des damaligen Präsidenten Ahmadinedschad. Angelegt ist die erste Regiearbeit des britischen Produzenten Richard Raymond als Biopic über einen noch jungen iranischen Tänzer, der heute in Paris lebt. Abgesehen von einer hervorragend choreographierten Tanzszene ist das Ergebnis aber schon ästhetisch nur schlichter Polit-Kitsch. 

„Wüstentänzer – Afshins verbotener Traum von Freiheit“ wirkt wie ein Film, der über sein Planungsstadium nicht hinausgelangt zu sein scheint. Wenn in meist nichtssagenden Bildern Anekdote an Anekdote gereiht wird, meint man weniger etwas zu sehen als etwas zu hören, nämlich wie der echte Afshin Ghaffarian, der am Schluss verhalten in die Kamera lächelt, Regisseur Raymond und Co-Drehbuchautor Jon Croker sein Leben erzählt hat. Und dann geschah das, und dann das…Und wie so oft bei mündlichen Berichten kann man manches gar nicht beschreiben, sondern nur beschwören, wie großartig oder schrecklich es war. Die Macher von „Wüstentänzer - Afshins verbotener Traum von Freiheit“ können das ärgerlicherweise auch nicht, weder mit Dialogen noch mit visuellen Mitteln.

Wo immer Afshin Ghaffarian gestockt haben mag, können auch sie nur beschwören statt zeigen. Welche Faszination Kunst ausübt? Zur Erklärung nur strahlende Gesichter abzufilmen, ist auf Dauer anstrengend und armselig. Die Reaktion auf den Tanz, den Elaheh hinlegt, als sie sich der Gruppe um Afshin vorstellt? Die Phantasie der Inszenierung und des Drehbuchs reicht nur bis zu staunend aufgerissenen Mündern, die man noch sehr oft sehen wird. Sicher agiert die Crew nur bei genrehaften Intermezzi, wenn Gewalt dargestellt wird, wenn Knüppel geschwungen, Pistolen an Köpfe gepresst und Gefesselte mit Fußtritten traktiert werden. Oder wenn tränenreiche Abschiede zu zelebrieren sind, die sich routiniert mit dem Instrumentarium des Melodrams in Szene setzen lassen. Abgesehen von Freido Pinto („Slumdog Millionär“), der die drogensüchtige Tänzerin schon von der Rolle her einfach mehr Einsatz abverlangt, beschränken sich die Darsteller auf mimische Eindimensionalität, als wäre die Mitwirkung an dem Film selbst schon eine gute Sache oder jede emotionale Schattierung ein Verrat an derselben. Die Freiheit des Ausdrucks mit dessen Minimalisierung erkämpfen zu wollen, ist ein Paradox, der zum Verhängnis werden muss.

Filmenthusiasten erinnern sich vielleicht wehmütig an Taylor Hackfords Thriller „White Nights – Nacht der Entscheidung“. Jede Minute nimmt man Mikhail Baryshnikov und Gregory Hines darin ab, dass der Tanz für sie nichts weniger als eine der Gefangenschaft abgerungene Form des Atmens in Freiheit ist. Nicht annähernd diese Wirkung hat der Tanz von Reece Ritchie und Freida Pinto in der Wüste, mag er auch allegorisch, schön und pathetisch sein und einer gefährlichen Situation trotzen. Als Afshin seinen Freund Nasar, der den Auftritt gefilmt hat, mit einem malträtierten Auge wiedersieht und ihn besorgt danach fragt, antwortet dieser, er habe Besuch von der Geheimpolizei erhalten. „Aber für diesen Moment der Freiheit, als ihr beide getanzt habt“, sagt er, „hat es sich gelohnt.“ Das hätte man als Zuschauer allerdings gerne deutlicher gespürt.

Fazit: 

„Wüstentänzer – Afshins verbotener Traum von Freiheit“ ist ohne Frage ein Film mit einem wichtigen Anliegen. Das Ergebnis ist allerdings unausgereift und hölzern inszeniert. Über die Parallelgesellschaft junger Menschen im Iran erfährt man einiges, über das Widerstandspotenzial der Kunst – hier des Tanzes – viel zu wenig. Das ist uns leider nur 4 von 10 Punkte wert. (mk)
 

Tammy - Voll abgefahren

Facts:

Genre: Komödie
Regie: Ben Falcone

Cast: Melissa McCarthy, Allison Janney, Susan Sarandon, Dan Aykroyd, Kathy Bates

Laufzeit: 96 Minuten
FSK: ab 12 Jahre
Verleih: Warner Bros. Germany

(c) Warner Bros. Germany

Inhalt:

Tammy hat einen richtig miesen Tag erwischt: Ihr ohnehin schon klappriges Auto hat sie endgültig verschrottet und ihren undankbaren Job bei einem schmuddeligen Burger-Imbiss ist sie ebenfalls los. Auch zu Hause findet sie keinen Trost, denn ihr Mann macht es sich gerade drüben mit der Nachbarin gemütlich - für Tammy höchste Zeit, sich den Ghettoblaster zu schnappen und zu verduften! Die schlechte Nachricht ist, dass sie pleite ist und keinen fahrbaren Untersatz hat. Und die noch schlechtere Nachricht ist, dass ihre Großmutter Pearl ihr letzter Ausweg ist - mit einem Auto, Geld und dem Drang, die Niagarafälle zu sehen. Nicht gerade die Flucht, die Tammy im Sinn hatte, aber vielleicht genau die, die sie braucht...

Bewertung:

Wer sich den Trailer zu „Tammy – Voll abgefahren“ anschaut, dürfte eine klare Vorstellung davon bekommen, was ihn erwartet. Melissa McCarthy, spätestens seit „Brautalarm“ und dem Start ihrer Sitcom „Mike & Molly“ eine der erfolgreichsten US-Komikerinnen, zieht sich darin eine fettige Papiertüte einer Burger-Kette über den Kopf, bewegt ihren fülligen Körper eher unbeholfen denn cool zu Rap-Sounds und startet einen Überfall auf das Fast-Food-Restaurant. Die absurde Szene scheint eine deutliche Sprache zu sprechen, zumal McCarthy ohnehin dafür bekannt ist, auch vor derb-vulgären Zoten nicht zurückzuschrecken. Wenn man dann noch weiß, dass mit Will Ferrell und Adam McKay zwei Spezialisten für grobhumorige Erwachsenen-Komödien als Produzenten hinter dem Film stehen, dann ließe sich in „Tammy“ ein Feuerwerk von Furz- und Kotzwitzen vermuten. Doch McCarthy geht diesmal gemeinsam mit ihrem Ehemann und Co-Autor, Debütregisseur Ben Falcone, einen anderen Weg: „Tammy“ ist weniger massentaugliches Komödienkino als vielmehr ein ungemein persönliches Road-Movie mit deutlichen Anklängen an das zeitgenössische US-Independent-Kino - vor allem an die sogenannte Mumblecore-Bewegung. Die illustre Besetzung mit vielen aus den 80er-Jahren bekannten Altstars sorgt für die besten Momente in diesem eigenwilligen und ganz bewusst etwas unrund erzählten Film. 

Der Vorspann von „Tammy“ steckt voller bekannter Namen, denn Regisseur Ben Falcone verrät uns darin nicht nur die Hauptdarsteller, sondern nennt auch all jene Stars bereits, die in den folgenden 90 Minuten mehr oder weniger lange Gastauftritte absolvieren. So heizt er geschickt die Erwartungen an – die er später perfekt erfüllt: Wir wollen nicht zu viel verraten, aber allein der Cameo von „Ghostbusters“-Altstar Dan Aykroyd ist ein Hochgenuss. Neben den Gästen setzen aber auch die Hauptdarstellerinnen immer wieder Glanzpunkte. Melissa McCarthy hat mal wieder gar kein Problem damit, ihre Körperfülle voll einzusetzen und gibt ihrer Figur etwas Tumb-Aggressives. Tammy ist fast schon zum Fremdschämen dumm und unfreundlich, hält Mond-Spaziergänger Neil Armstrong für einen unbekannten Bruder von Radrennfahrer Lance, stopft laufend Essen in sich rein und beleidigt jeden, der ihr irgendwie quer kommt. Das überschreitet hin und wieder die Grenze des Erträglichen, funktioniert schlussendlich aber doch, weil McCarthy der Figur trotz allem emotionale Tiefe verleiht und man immer wieder mit ihr fühlen kann - diese Kombination aus Hemmungslosigkeit und Jedermann-Qualitäten erinnert an die Rollen von Adam Sandler. Wenn Tammy überzeugt ist, dass sie in der Bar jeden Typen aufreißen kann, dann aber gnadenlos scheitert und versucht, sich dies schönzureden, dann ist dies ein genau solcher Moment des Mitgefühls trotz aller Großspurigkeit.

Neben Melissa McCarthy, mit der sie perfekt harmoniert, brilliert Susan Sarandon in der zweiten Hauptrolle. Die „Thelma & Louise“-Legende gibt mit immenser Spielfreude die Oma, die noch einmal so richtig die Sau rauslassen will und den Plan auch unbeirrt in die Tat umsetzt. Dabei bekommt die Brüste entblößende Alkoholikerin auch einige witzige Momente, aber insgesamt ist diese Pearl fast schon eine tragische Figur, deren Leben komplett in Ruinen liegt. „Tammy“ ist eben keine (Klamauk-)Komödie, sondern Falcone und McCarthy schließen an die wegen der oftmals genuschelten Unterhaltungen Mumblecore genannte Strömung im US-Independent-Kino an. Dort kommunizieren die Figuren in oftmals weitgehend improvisierten, bisweilen auch ausufernden Dialogen – genau wie hier. Es ist also sicher kein Zufall, dass in „Tammy“ mit Mark Duplass (in dessen „Jeff, der noch zu Hause lebt“ wiederum Susan Sarandon mitwirkte) einer der Köpfe der Mumblecore-Bewegung vor der Kamera steht. Wenn einzelne Szenen hier regelrecht zerfasern oder ins Nichts verlaufen, wenn die Figuren nicht immer direkt auf den Punkt kommen und sich so manche Länge einschleicht, dann ist das typisch für diese Arbeitsweise – sie sorgt aber auch dafür, dass „Tammy“ geerdet ist. Der Film ist darin wie seine Hauptfigur, die ihrerseits so gar nicht dem Hollywood-Idealbild entspricht.

Fazit: 

Wer bei „Tammy - Voll abgefahren“ ein großes Gag-Feuerwerk erwartet, ist im falschen Film. Unter dem Deckmantel der Komödie hat Melissa McCarthy sich selbst einen kleinen persönlichen Film beschert, der nicht durchweg funktioniert, aber immer wieder schöne Momente bietet. 8 von 10 Punkte für die Hauptdarstellerin, 4 von 10 für die Handlung - also 6 von 10 Punkten insgesamt. (mk)

Tiefe Wasser

Facts:

Genre: Drama 
Regie: Tomasz Wasilewski

Cast: Mateusz Banasiuk, Marta Nieradkiewicz

Laufzeit: 89 Minuten
FSK: ab 16 Jahre
Verleih: Salzgeber u. Company Medien

(c) Salzgeber u. Company Medien

Inhalt:


Auf den jungen, hochtalentierten Leistungsschwimmer Kuba (Mateusz Banasiuk) prasseln von allen Seiten Ansprüche ein. Er wohnt gemeinsam mit Freundin Sylwia (Marta Nieradkiewicz) zuhause bei seiner Mutter (Katarzyna Herman). Die ist genervt von Sylwia und will sie aus der Wohnung haben – und Kubas Schwimmtrainer würde von seinem Schützling gerne mehr Trainingsfleiß sehen. Doch Kuba entzieht sich jeglicher Verantwortung, jeglichen Entscheidungen. Außerdem verheimlicht er seinem Umfeld sowohl, dass er illegale leistungssteigernde Mittel nimmt, als auch seine Homosexualität. Die Dinge ändern sich, als er Michal (Bartosz Gelner) kennen lernt. Der lässt Kuba zum ersten Mal daran glauben, sich in einen Mann verlieben zu können und gibt ihm die Kraft, sich auf die Suche nach einem Weg aus dem erdrückenden Umfeld zu machen…

Bewertung: 

Das Drama „Tiefe Wasser“ ist der zweite Spielfilm von Tomasz Wasilewski („In the Bedroom“). Die grundlegende Idee des polnischen Regisseurs war es, einen Queer-Film zu drehen, der für ein möglichst großes Publikum attraktiv ist. Dafür wählte er einen Protagonisten, der sich zwischen seiner langjährigen Partnerin und der leidenschaftlichen Liebe zu einem Mann entscheiden muss, wobei es gar nicht so sehr um die Frage geht, ob dieser Kuba nun hetero, schwul oder bi ist, sondern um innere Konflikte, die in ähnlicher Form jeder kennt. Mit viel Feingefühl und einem hervorragenden Hauptdarsteller bringt uns der Filmemacher die vielen Facetten dieser Suche nach dem persönlichen Glück nahe.

Die größte Stärke von „Tiefe Wasser“ sind die durchgehend sehr guten Schauspieler. Allen voran brilliert Mateusz Banasiuk in einer seiner ersten Kino-Hauptrollen. Kuba versucht sich nach außen cool und nonchalant zu geben. Aber in seinem Gesicht sind auch kleinste Gefühlsregungen und somit auch seine innere Verunsicherung ablesbar. Einerseits braucht Kuba den sicheren Hafen, den seine langjährige Freundin Sylwia ihm bietet. Zugleich spürt der Leistungssportler in seinem durchdisziplinierten Leben immer stärker den Wunsch, seine Leidenschaften auszuleben. Diesen etwas schematisch angelegten Konflikt zwischen dem Bedürfnis nach Sicherheit und Geborgenheit auf der einen Seite sowie dem Verlangen nach persönlicher Selbstverwirklichung andererseits vertieft Tomasz Wasilewski, der auch das Drehbuch zu „Tiefe Wasser“ verfasst hat, durch seine überlegte Inszenierung.

Das Dilemma des Protagonisten fassen der Regisseur Tomasz Wasilewski und sein Kameramann Jakub Kijowski in sprechende Bilder: In gekonnt gerahmten Einstellungen erscheint der Schauplatz Warschau als kalte und unwirtliche moderne Großstadt. Dieses Umfeld spiegelt die Strenge einer Gesellschaft wider, die für abweichendes Verhalten nach wie vor wenig Raum und noch weniger Verständnis bietet. Als Michal sich eines Tages beim Essen bei seiner Familie dazu durchringt, sich gegenüber seinem Vater zu outen, geht jener einfach darüber hinweg, als ob gar nichts gesagt worden wäre. Und nachdem Kuba Michal in dessen Wohnung besucht hat, wird er anschließend im Treppenhaus von Rowdys als Schwuchtel beschimpft. Wutentbrannt jagt Kuba hinter ihnen her und schlägt einen von ihnen im Aufgang der Tiefgarage zusammen.

Kubas innere Unruhe zeigt sich nach außen dadurch, dass er ständig in Bewegung ist – nicht nur beim Schwimmen. In seiner Freizeit fährt er durch das nächtliche Warschau, an dessen nackten Betonwänden er im übertragenen Sinne abzuprallen scheint. Doch die buchstäblich bedrückende Atmosphäre ist kein Dauerzustand, insbesondere durch den Einsatz treibender elektronischer Musik schafft Wasilewski immer wieder eine gänzlich andere Stimmung. Einmal rauchen Kuba und Michal in einem Parkhaus im Auto sitzend einen Joint. Anschließend fahren sie ganz nach oben. Ein wummernder Sound setzt ein, während sich der Wagen immer weiter in die Höhe schraubt: Die so animierte Bewegung wird zum symbolischen Ausdruck für den Durchbruch der bisher unterdrückten schwulen Leidenschaft. Und wenn Kuba und Michal heimlich auf einen langsam anrollenden Güterzug aufsteigen und mitfahren - ziellos, aber mit Blick in die Sonne -, vereinen sich kindliche Verspieltheit und die Zärtlichkeit frisch Verliebter.

Fazit: 

Tomasz' Wasilewskis Film „Tiefe Wasser“ ist ein einfühlsames Drama über das Ringen mit verschiedenen Beziehungsmodellen, gesellschaftlichen Konventionen und der eigenen sexuellen Identität.Wir vergeben dafür 7,5 von 10 Punkten. (mk)

Boyhood

Facts:

Genre: Drama 
Regie: Richard Linklater

Cast: Ethan Hawke, Patricia Arquette, Ellar Coltrane, Brad Hawkins

Laufzeit: 163 Minuten

FSK: ab 6 Jahre
Verleih: Universal Pictures Germany

 

(c) Universal Pictures Germany

Inhalt:

Das Leben des sechsjährigen Mason Jr. (Ellar Coltrane) wird auf den Kopf gestellt, als seine Mutter Olivia (Patricia Arquette) mit ihm und seiner Schwester Samantha (Lorelei Linklater) in ihre Heimat Texas zurückkehrt, um noch einmal das College zu besuchen. Dort bekommen die Kinder immerhin auch ihren Vater Mason Sr. (Ethan Hawke), der seit der Scheidung kaum für sie da gewesen ist, wieder öfter zu Gesicht. Mason Jr. muss sich mit seiner neuen Lebenssituation arrangieren – und durchlebt so die zwölf Jahre, die aus einem kleinen Jungen einen Mann machen: Es stehen Campingausflüge mit dem Vater an, es wird das erste Bier getrunken, der erste Joint geraucht und auch die erste große Liebe erlebt. Doch die Männergeschichten von Olivia sorgen immer wieder für Probleme…  

Bewertung:

Mit „Before Sunrise”, „Before Sunset” und „Before Midnight” erzählte Richard Linklater von 1995 bis 2013 im Abstand von jeweils neun Jahren drei Kapitel aus der Liebesgeschichte zwischen dem Amerikaner Jesse (Ethan Hawke) und der Französin Celine (Julie Delpy). Bei diesen weit auseinanderliegenden Momentaufnahmen bestand ein besonderer Reiz darin, zu sehen, wie sehr sich die Figuren in der langen Pause zwischen den Filmen verändert haben. Seit 2002 arbeitete Linklater aber neben der „Before“-Trilogie und anderen Werken auch noch an einem weiteren Langzeitprojekt, bei dem die Entwicklung des Protagonisten in ihrer Kontinuität im Mittelpunkt steht: Bis 2013 versammelte der Regisseur im Jahresabstand jeweils für ein paar Tage vier Stammschauspieler und wechselnde Nebendarsteller vor der Kamera, um die Kindheit und Jugend eines Jungen in Texas vom Anfang der Schulzeit bis zum Wechsel ans College nachzuzeichnen. Das Ergebnis heißt „Boyhood“ und ist nicht nur ein wunderbares Gegenstück zu den „Before“-Filmen, sondern vor allem ein ungemein faszinierendes Spielfilm-Dokument, das sich über 164 Minuten ganz ohne künstlichen Spannungsbogen entfalten darf und gerade dadurch umso wahrhaftiger wirkt.

Es liegt ein besonderer Reiz darin, jemanden buchstäblich vor der Kamera aufwachsen zu sehen. Das gilt für Langzeitdokumentationen wie „Die Kinder von Golzow“, wo 18 Menschen in insgesamt zwanzig Filmen über einen Zeitraum von fast einem halben Jahrhundert porträtiert wurden, genauso wie für langlebige Fiktionen wie die TV-Serie „Lindenstraße“, in der ein Millionenpublikum verfolgen konnte, wie nicht nur aus dem kleinen „Klausi Beimer“ ein Mann wurde, sondern auch aus seinem Darsteller Moritz A. Sachs. Im Bereich des Kinofilm ist François Truffauts berühmter „Antoine Doinel“-Zyklus wohl das bekannteste Beispiel: In fünf Filmen spielte der 1944 geborene Jean-Pierre Léaud bis 1979 das Alter Ego Truffauts, zuerst als Jugendlichen, später als erwachsenen Mann. In „Boyhood“ ist der sonst meist auf eine ganze Reihe Filme oder gar Hunderte von Serienepisoden verteilte Prozess des Älterwerdens nun in einem Einzelwerk von knapp drei Kinostunden kondensiert. Hier kann der Zuschauer in einem einzigen Film mitansehen wie Ellar Coltrane und Richard Linklaters Tochter Lorelei von kleinen Kindern zu jungen Erwachsenen heranwachsen und sieht daneben auch noch wie die Kinostars Patricia Arquette („True Romance“) und Ethan Hawke („Gattaca“) sich über die Jahre verändern.

Auch wenn sich die insgesamt nur 39 Drehtage über ein Dutzend Jahre verteilt haben, ist „Boyhood“ ein Film wie aus einem Guss. Linklater teilt ihn nicht etwa starr und fein säuberlich in Jahreskapitel auf, sondern folgt stets einer inneren erzählerischen Logik und so sind die Zeitsprünge zwischen den einzelnen Szenen ganz unterschiedlich groß – das können Stunden, Tage, Wochen, Monate oder auch mal ein ganzes Jahr sein. Die zeitliche Verortung erfolgt dabei ausschließlich über den Kontext der Handlung. Zu Beginn läuft eine Nachrichtensendung über den Irak-Krieg, wodurch deutlich wird, dass wir uns im Jahr 2003 befinden müssen. Später sehen wir den Ansturm bei der Veröffentlichung eines Harry-Potter-Buches oder Szenen aus Barack Obamas erstem Präsidentschaftswahlkampf, die bei der Einordnung helfen. Die klarsten und zugleich subtilsten Wegmarken setzt Linklater aber über die Popkultur und den Fortschritt er Technik. Da steht Lorelei erst auf Britney Spears und dann auf Lady Gaga, ihr Bruder schaut sich einmal Will Ferrells zu dem Zeitpunkt gerade super angesagten Kurzfilm „The Landlord“ in Dauerschleife an und preist später „The Dark Knight“, „Tropic Thunder“ und „Ananas Express“ als seine Lieblingsfilme des Jahres. Und nebenbei wird vom GameBoy Advance über die Xbox bis zur Wii die Entwicklung der Spielekonsolen eingefangen.

Zum natürlichen Fluss der Handlung passt auch Linklaters gänzlich unaufgeregter Erzählton. Es gibt zwar einzelne dramatische Zuspitzungen - etwa wenn sich Olivias zweiter Ehemann als prügelnder Alkoholiker entpuppt und sie Hals über Kopf mit den Kindern die Flucht antreten muss -, aber im Wesentlichen bekommen wir hier typische, oft ganz alltägliche Ereignisse aus dem Leben eines normalen Heranwachsenden zu sehen: schöne und weniger schöne Momente mit Freunden und Familie, Streit unter Geschwistern, Gespräche mit den Eltern. Das ist vor allem in der herausragenden ersten Hälfte des Films immer wieder sehr amüsant, so wenn sich Mason und seine Schwester ein Zimmer teilen müssen:  Sie spielt sich als Diva auf, raubt ihm den letzten Nerv und am Ende gelingt es ihr, es so aussehen zu lassen, als wäre nur er schuld an dem Streit. Die Besetzung dieser beiden Hauptrollen erweist sich dabei als doppelter Glücksgriff: Linklaters Tochter Lorelai gibt ganz herrlich die leicht blasierte Göre, während Masons Entwicklung vom zugleich aufgeweckten und verträumten Jungen, der mit großen Augen die Welt entdeckt, zum nachdenklichen Melancholiker mit Vorliebe für Kunstfotografie von Ellar Coltranes mit großer Natürlichkeit dargestellt wird. Mit dieser Wandlung verändert sich auch der zunächst leichte Ton des Films und wird etwas ernster.

Obwohl Patricia Arquette deutlich mehr Leinwandzeit hat als Ethan Hawke (der vom Rebellen mit Oldtimer zum biederen Vater mit Familienkutsche ebenfalls eine bemerkenswerte Entwicklung durchläuft), sind es vor allem die kleinen Szenen mit ihm und den Kindern, die im Gedächtnis bleiben. Richard Linklater beweist hier einmal mehr, dass er ein famoser Drehbuchautor ist: wenn Mason Sr. nach anderthalb Jahren das erste Mal seine Kinder wiedersieht und beim Bowlen darüber diskutiert wird, warum ohne Seitenbegrenzung gespielt wird; oder wenn die Kinder rätseln, ob der Vater mit der Rothaarigen, die ihn gerade angesprochen hat, eine sexuelle Beziehung unterhält; oder wenn Mason Sr. seine 15 Jahre alte Tochter höchst umständlich aufzuklären versucht, ihr am Ende sagt, sie solle immer ein Kondom tragen und dann seinen kuriosen Lapsus bemerkt; oder wenn Vater und Sohn sich bei einer „Star Wars“-Diskussion näherkommen als jemals zuvor. Mit wunderbar auf den Punkt gebrachten und vor allem ungemein authentischen Dialogen machen Linklater und seine Schauspieler aus den scheinbaren Nichtigkeiten des Alltagslebens magische Kinomomente.

Richard Linklater verknüpft die Geschichte von Masons Coming of Age gleichsam nebenbei mit einer kleinen soziopolitischen Chronik des Erwachsenwerdens in seiner eigenen Heimat Texas, wo die durch und durch liberale Familie einige absurde Erlebnisse hat. Da wird in der Schule nach der Nationalhymne auch noch ein Loblied auf die texanische Flagge gesungen und zum 15. Geburtstag bekommt Mason von den strengkonservativen Eltern der neuen Frau seines Vaters eine Bibel und ein Gewehr geschenkt. Zu einer amüsanten Szene kommt es, als Mason Jr. beim Platzieren von Werbeschildern für den Wahlkampf von Barack Obama ausgerechnet bei einem Mann anfragt, der die Konföderiertenflagge gehisst hat. Nur einmal weicht Linklater gegen Ende etwas deutlicher von der locker-beiläufigen Art des Erzählens ab und die entsprechende „American Dream Come True“-Sequenz mit einem mexikanischen Restaurantmanager hat in ihrer überhöhenden Zuspitzung dann auch den Beigeschmack eines Hollywood-Klischees. Das passt nicht recht zum Rest des Films, aber es ließe sich zugunsten dieser Szene durchaus einwenden, dass das Leben manchmal eben auch das Kino imitiert. Zumal Linklater auch noch einen überzeugenderen Schlusspunkt folgen lässt.

Fazit: 

Richard Linklaters Mammutprojekt „Boyhood“ ist ein unbedingt sehenswerter Blick auf ein ganzes Kinderleben im „Schnelldurchlauf“ und ein wahrer Kino-Meilenstein. Der Film wurde zurecht auf der Berlinale 2014 gezeigt. Inhaltlich erhält der Film 8 von 10 Punkte. (mk)

Godzilla 3D

Facts:

Genre: SciFi, Fantasy 
Regie: Gareth Edwards

Cast: Bryan Cranston, Aaron Taylor-Johnson, Juliette Binoche, Elizabeth Olsen, Ken Watanabe

Laufzeit: 123 Minuten

FSK: ab 12 Jahre
Verleih: Warner Bros Germany

 

(c) Warner Bros Germany

Inhalt:

Japan, 1999. In einem Kernkraftwerk werden seit einiger Zeit massive Impulse, ähnlich einem Erdbeben, gemessen, die dem Verantwortlichen Joe Brody (Bryan Cranston) Sorgen bereiten. Eines Tages kommt es zu einem dramatischen Zwischenfall, just in dem Moment, in dem seine Frau (Juliette Binoche) und ebenfalls Mitarbeiterin auf Sondierungssuche in einem sensiblen Trakt des Atomkraftwerks unterwegs ist. 15 Jahre später hat sich Joe von seinem mittlerweise erwachsenen Sohn Ford (Aaron Taylor-Johnson) entfremdet. Nicht allein weil Ford als US-Lieutenant in Übersee stationiert ist, sondern weil Joe an seiner Theorie festhält, dass dieses Ereignis vor 15 Jahren niemals von einem Erdbeben herrühren konnte. Als beide erneut in Japan aufeinandertreffen und in ihrem alten Wohnbezirk Nachforschungen anstellen, wird schnell klar, dass die Regierung etwas Unvorstellbares vor der Öffentlichkeit verheimlicht und Joe mit seiner Überzeugung richtig liegt...

Bewertung:

Regisseur Gareth Edwards zeigt nach seinem Überraschungsfilm Monsters erneut, dass er sich mit Monstern auskennt und auch Big Budget-Produktionen stemmen kann. Weitaus besser sogar als so mancher alte Hase im Filmgeschäft. Hollywood braucht mehr Regisseure wie ihn, Duncan Jones und Josh Trank, die Ideen haben und denen auch größere Filme anvertraut werden sollten. Zwar wird man an Aliens - Die Rückkehr oder Starship Troopers erinnert, aber sofern dies seitens der Macher gewünscht war, ist es in Godzilla als Hommage zu sehen.

Sollte man also reingehen? Unbedingt, denn der Film macht Spaß und hievt das Monster aller Monster nach Emmerichs Version aus 1998 wieder auf eine höhere Ebene. Es sind keine unnötigen Witze wie in den Marvel-Filmen nötig, die die Handlung ins Lächerliche ziehen, zudem schafft es Edwards in vielen Szenen auch die Dramatik herauszuarbeiten. Anders als in Pacific Rim gibt es zwar monströse Schlachten mit unfassbar hohem Kollateralschaden, doch man ermüdet als Zuschauer nicht beim Wieder-und-wieder-und-wieder-Aufeinandereinschlagen. Trotz realistischer Herangehensweise behält Godzilla einen leichten Trashcharme. Wie sollte es auch anders sein, wenn über gigantische Monster und deren amüsante Ernährungsweise mit einer derart trockenen Überzeugung seitens der Wissenschaftler, allen voran Ken Watanabe, gesprochen wird?!

Unserer Ansicht nach wurde Godzilla auch endlich mal gut umgesetzt. Es ist nicht die typische Amerikanisierung von 1998, aber auch kein Typ im Kostüm, der sich nach vorne beugen muss, wenn Godzilla nach unten gucken soll. Er mag ein wenig moppsig wirken, aber das tut seiner Schlagkraft keinen Abbruch. Auch die Computereffekte im Film sind überwiegend sehr gut, nur in manchen Sequenzen, vor allem bei Wasserszenen, fällt deren künstlicher Stil wie schon in den Trailern auf.

Auch die Darstellerriege ist durchweg gut besetzt. Juliette Binoche und vor allem Bryan Cranston haben leider zu wenig Screentime und Aaron Taylor-Johnson, den wir als ausdrucksstarken, smarten Schauspieler sonst sehr schätzen, wirkt hier etwas blass, selbst wenn er zu den Hauptfiguren zählt. Elizabeth Olsen zeigt wie in ihren Filmen zuvor eine sehr emotionale Seite und spielt ihre Rolle sensibel und verletzlich. Watanabe wirkte auf uns in der Rolle des wortkargen Wissenschaftlers ein wenig zu konzentriert, zu verschlossen, aber das tut dem Schauspiel insgesamt keinen Abbruch.
Was jedoch ein wenig überrascht, ist, dass Trailer und Werbekampagne ein falsches Bild vom Film vermitteln. Teilweise kommen Szenen im Film nicht vor beziehungsweise wurden bewusst Elemente in den Trailern entfernt, die den Eindruck erwecken, als wäre Godzilla die Hauptbedrohung. Dabei gewinnt man später jedoch den Eindruck, dass Godzilla fast nur Nebencharakter ist, der ein wenig zu nett für unseren Geschmack wirkt. In der Tradition der japanischen Filme ist Godzilla also nicht zwingend der Schurke, sondern hilft unbewusst der Menschheit gegen andere MUTOs.

Fazit:

„Godzilla“ hat einen starken emotionalen Beginn und großartige Monster-Action im Finale, dazwischen gibt es allerdings einigen Leerlauf – nicht zuletzt wegen des Fehlens von (menschlichen) Identifikationsfiguren. Aber allein der gekonnte Einsatz der Titelfigur sind 8 von 10 Punkte wert. (mk)

Edge of Tomorrow 3D OV

Facts:

Genre: SciFi, Drama
Regie: Doug Liman
Cast:  Tom Cruise, Emily Blunt, Bill Paxton
Laufzeit: 113 Minuten

FSK: ab 12 Jahre
Verleih: Warner Bros Germany

 

(c) Warner Bros Germany

Inhalt:

Die Kriege, die Leutnant Bill Cage (Tom Cruise) führt, sind üblicherweise nicht allzu schweißtreibend. Seit die Mimics die Erde angriffen und nahezu ganz Europa erobert haben, sorgt Cage in einem medialen Krieg dafür, dass es genug neue Rekruten gibt. Doch nun steht die Endschlacht gegen die Mimics bevor und darin wird jeder Soldat gebraucht, auch Cage. Der ist alles andere erfreut darüber, in der Schlacht als Kanonenfutter zu enden - und so kommt es dann auch. Wie alle Soldaten stirbt Cage inmitten einer blutigen Schlacht, schafft es aber, einen Alpha-Mimic mit in den Tod zu reißen. Plötzlich gefangen in einer Zeitschleife, muss Cage jeden Tag aufs Neue hinaus in den Kampf, nur um erneut und erneut und erneut zu sterben. Mit jedem Tag, der vergeht, wird aus Cage ein besserer, ein effizienterer Kämpfer, doch den Ausgang der Schlacht kann er nicht beeinflussen. Erst als er auf die Soldatin Rita Vrataski (Emily Blunt) inmitten dieses täglichen Gemetzels trifft, scheint es so etwas wie Hoffnung auf das Ende des Krieges zu geben...

Bewertung: 
 
Bereits 2010 schrieb Autor Dante Harper im Auftrag der eigentlich auf TV-Sitcoms spezialisierten Firma 3 Arts Entertainment ein Drehbuch nach dem Roman „All You Need Is Kill“. Es war ein gewagter Schritt für die kleine Firma, der sich auszahlte: Das Skript sorgte für Aufsehen in Hollywood und wurde schließlich für satte drei Millionen Dollar von Studioriese Warner gekauft. Doch ganz zufrieden war man dort noch nicht, man engagierte neben anderen den britischen Regisseur und Autor Joby Harold („Awake“) für Überarbeitungen. Bei der finalen Filmfassung haben nun weder Harper noch Harold einen Credit bekommen, stattdessen werden die Liman-Vertrauten Jez und John-Henry Butterworth („Fair Game“) sowie Tom-Cruise-Kumpel Christopher McQuarrie („Die üblichen Verdächtigen“) im Vorspann als Autoren genannt. Wer nun aber glaubt, dass dieses in der Branche nicht unübliche Wechselspiel nach dem Motto „Zu viele Köche verderben den Brei“ für einen unausgegorenen Film sorgt, ist schiefgewickelt. Es ist im Gegenteil beeindruckend, wie geradlinig und punktgenau die Handlung von „Edge of Tomorrow“ aufgebaut ist – das zeigt gleich der Anfang beispielhaft: Mit in die Studio-Logos zu Beginn geschnittenen Nachrichtenfetzen und Talk-Show-Ausschnitten wird die Ausgangslage etabliert, es folgt ein kurzer Disput zwischen Cage und seinem vorgesetzten General und schon landet der Protagonist als einfacher Soldat in der Militärbasis und ab da geht es richtig los.

Nachdem die nötigen Vorinformationen auf ebenso schnörkellose wie elegante Weise geliefert wurden, zelebriert Regisseur Doug Liman das anschließende Aufwachen-Kämpfen-Sterben-Wieder-Aufwachen-Wechselspiel in bester „… und täglich grüßt das Murmeltier“-Manier: mit viel Humor. Wie Bill Murrays Wetterexperte Phil in Harold Ramis‘ existenzialistischer Komödie erlebt auch Tom Cruises unfreiwilliger Soldat reichlich amüsante Momente, wenn er Situationen antizipiert und den verdutzten Kameraden vorhersagt oder mit seinem Vorwissen die Autorität eines Offiziers (Bill Paxton) untergräbt. Und hier gibt es anders als bei Ramis zusätzlich noch reichlich gut inszenierte Action dazwischen. Mit feinem erzählerischen Gespür verlässt Liman diese Action-Humor-Schleife dann rechtzeitig bevor es in ihr langweilig zu werden droht, dann folgt eine Wendung in der Handlung und es geht in eine neue Richtung weiter. So schaffen es der Regisseur und seine Autoren, dass „Edge of Tomorrow“ auf knapp zwei Stunden Laufzeit durchweg kurzweilig und spannend bleibt. Damit der Zuschauer beim freien Umgang mit den Gesetzen der Physik nicht den Überblick verliert, werden ihm gut dosierte Erklärungen an die Hand gegeben. Das geschieht wiederum so beiläufig, dass selbst die Klischee-Erklärer-Figur des unkonventionellen Wissenschaftlers (Noah Taylor) nicht weiter stört – nur verbohrte Logik-Puristen bekommen dann am Ende noch etwas zu mäkeln.

„Edge of Tomorrow“ soll mehr als 175 Millionen Dollar gekostet haben. Wer den fertigen Film sieht, glaubt diese Schätzung sofort: Die Aliens sind beeindruckende leicht glibberige Monster mit riesigen Tentakeln, während die futuristischen Kampfanzüge der Menschen ein starkes Gimmick für imposante Actionszenen abgeben. Sie fungieren als Rüstung und Waffe zugleich, mit ihrer Kraft lassen sich schwere Gegenstände wegschleudern, an ihnen sind Kanonen unterschiedlichster Größe montiert und selbst die geballte Faust ist bestens geeignet, einen Alien-Schädel zu zertrümmern. Diese Schauwerte funktionieren letztlich aber nur so gut, weil die Darsteller trotzdem im Mittelpunkt stehen. Die Hauptrolle – in der Vorlage ein japanischer Rekrut – wurde Tom Cruise auf den Leib geschrieben. Seine Figur hat null Kampferfahrung, ist aber sonst ein alter Hase, dessen eigentliche Waffe das Wort ist. So versucht er sich zu Beginn aus jeder Situation erst einmal herauszureden. Den perfekten Widerpart dazu gibt Emily Blunt („Fast verheiratet“, „Looper“), die hier die eiskalte Militär-Veteranin (Spitzname in der Truppe: Full Metal Bitch) spielt. Das Reizvolle an der Figurenkonstellation ist der fast schon tragische Unterschied zwischen den Erlebnishorizonten: Er lernt sie nach und nach immer besser kennen, so dass sie ihm ans Herz wächst. Sie dagegen fängt jeden Tag bei null an, denn sie verliert nach jeder Zeitschleife die Erinnerung an ihn. So schreckt sie auch nicht davor zurück, ihm beim Training eine Kugel in den Kopf zu jagen, also gleichsam den Reset-Button zu drücken. Wenn ihre harte Fassade irgendwann trotzdem bröckelt, ist das umso wirkungsvoller.

Fazit: 

So einfach kann unterhaltsames Blockbuster-Kino sein: zwei charismatische Stars und gute Schauspieler, eine geradlinige, nicht zu komplexe, aber spannende Story, gute Action und eine gehörige Portion Humor.7,5 von 10 Punkten. (mk)